Tag: Seniman

Apakah ada Seni rupa untuk Ilustrasi?

26 Oct 19
laura bapao
, , , ,
No Comments

Ketika Jon Krause masih kuliah, dia mengambil kelas melukis. Suatu hari, profesornya bertanya kepadanya apa yang ingin dia lakukan setelah lulus. Krause mengatakan kepadanya bahwa ia ingin menjadi ilustrator.

“Dia menggelengkan kepalanya dan berkata, ‘Aku bisa melihat lebih dari itu untukmu,'” kenang Krause, yang kemudian menjadi ilustrator yang sukses. “Saya pikir di beberapa kalangan, [ilustrasi] masih dipandang rendah.”

Pengalaman kuliah Krause adalah mikrokosmos dari perdebatan yang telah lama mendidih di dunia seni: Apakah ada seni yang bagus untuk ilustrasi? Meskipun banyak ilustrator telah lama menjawab pertanyaan itu untuk diri mereka sendiri dengan ya, yang lain mungkin tidak setuju.

“Saya tidak yakin diskusi akan berakhir, dan saya tidak yakin diskusi ini berfokus pada masalah yang sama untuk semua peserta,” kata Susan LeVan, ketua ilustrasi di Institut Seni Boston di Lesley University. “Bagi saya, menjadi ilustrator memungkinkan saya kebebasan untuk melakukan pekerjaan yang saya inginkan terlepas dari suasana kritis saat ini atau politik dunia seni rupa. Tapi saya bisa menjadi seniman yang baik dengan sikap yang sama. ”

Dalam istilah yang paling sederhana, apa yang memisahkan ilustrasi dari seni rupa adalah gaji. Ilustrator dibayar untuk menghidupkan ide, apakah itu ilmu di balik otak manusia atau dongeng anak-anak — semuanya memenuhi tenggat waktu. Seorang seniman, di sisi lain, dapat menghabiskan seumur hidup mengejar inspirasi pribadi dan tidak pernah melihat satu sen pun untuk itu.

Krause, yang tinggal di Philadelphia, telah bekerja untuk beberapa penerbit buku, majalah, dan surat kabar terkenal di negara itu. Dia mengatakan perbedaan antara seni rupa dan ilustrasi adalah bahwa seni rupa mengharuskan Anda untuk menyenangkan hanya satu orang: diri Anda sendiri. Dengan ilustrasi, Anda harus menjawab banyak orang. “Sebagai ilustrator, Anda disewa untuk melakukan pekerjaan, Anda harus menerapkan keterampilan Anda pada selembar teks dan Anda harus menyenangkan banyak orang,” katanya. “Pada akhirnya, jika kamu melakukan semua itu, kamu bisa dipekerjakan lagi. Setiap pekerjaan adalah wawancara pekerjaan. ”

Garis antara seni rupa dan ilustrasi lebih blurrier daripada yang diakui dunia seni beberapa dekade lalu. Sebagai contoh, sebuah pertunjukan Museum Seni Modern tahun 1990 berjudul “Tinggi dan Rendah: Seni Modern dan Budaya Populer,” menunjukkan seberapa sering kedua dunia tumpang tindih dan membantu memperkuat kasus untuk ilustrasi sebagai seni rupa, kata LeVan. “Beberapa ilustrator mencari nafkah dengan menciptakan karya pribadi yang dipamerkan di museum-museum besar dan dijual melalui dealer [dan program ilustrasi perguruan tinggi yang menawarkan galeri / seni rupa sebagai konsentrasi],” katanya. “Demikian juga, seniman baik telah menghasilkan karya yang ditugaskan sepanjang sejarah.”

Sebagian besar ilustrator mengatakan pasti ada seni untuk ilustrasi. “Saya sama sekali tidak melihat perbedaan antara keduanya,” kata Angie Wang, ilustrator yang berbasis di Los Angeles. “Sebagai seorang anak, saya melihat sebuah ilustrasi sebagai sesuatu yang ada dengan sendirinya. Itu dipasangkan dengan artikel. Itu tujuan komersialnya, tetapi dengan sendirinya itu bisa bermanfaat. ”

Jenny Medved, ilustrator dari Sarasota, Florida, setuju bahwa seni rupa dan ilustrasi memiliki banyak kualitas. “Sebuah karya seni yang kuat, terlepas dari niatnya, perlu memiliki elemen yang sama: penerangan yang sukses, bentuk, warna dan komposisi,” katanya.

Tentu saja, setiap orang akhirnya menemukan jawaban untuk debat seni ilustrasi versus seni dalam definisi “seni” orang tersebut, dan definisi itu adalah pribadi. Jika seni, menurut satu interpretasi populer, adalah tentang mengkomunikasikan pesan, maka ilustrasi adalah seni murni. “Saya harus mengikuti garis untuk tetap setia pada diri saya dan integritas artistik saya sambil juga menjawab panggilan untuk tugas khusus itu,” kata Krause.

Jika, seperti yang disarankan orang lain, seni adalah tentang mengajukan pertanyaan dan bukan hanya menjawabnya, seperti yang sering dilakukan ilustrator, maka ilustrasi mungkin tidak sesuai dengan definisi seni rupa. Meskipun Krause mencatat bahwa ia secara sadar memilih profesinya sehingga ia dapat memuaskan kecenderungan artistiknya “dan membayar tagihan dan makan,” tidak dapat disangkal bahwa beberapa seniman melihat ilustrasi sebagai barang yang terjual habis. “Secara historis, dunia seni rupa ingin memisahkan diri dari apa yang dilihatnya sebagai noda komersialisme,” kata LeVan.

“Saya kira saya menyadari mengapa mereka ingin membuat perbedaan [antara seni rupa dan ilustrasi], tetapi itu tidak benar-benar terjadi pada saya,” kata Wang. “Aku agak berpikir itu sombong.”

Orang-orang cenderung memperdebatkan tempat ilustrasi di dunia seni rupa selama ada buku yang harus diilustrasikan dan kartun yang akan dibuat. Fakta itu, setidaknya, adalah satu pihak yang dapat disepakati kedua belah pihak. “Saya pikir ini adalah pertanyaan kuno. Saya percaya itu akan selalu dibahas karena ada garis tipis antara keduanya, ”kata Medved.

Apakah anda benar benar sudah Online?

20 Oct 19
irene san
, , , ,
No Comments

Seniman yang memulai bisnis seringkali dihadapkan dengan serangan informasi yang berlebihan. Daftar tugas mereka bertambah dan entah bagaimana, berbulan-bulan setelah peluncuran bisnis mereka, mereka tetap waspada mengundang orang untuk melihat situs web mereka, kemungkinan besar karena mereka tidak menghabiskan waktu belajar bagaimana menjadikannya efektif dan indah. Terdengar akrab? Mereka menyebutnya “situs web memalukan.” Tapi ada obatnya. Berikut adalah beberapa langkah sederhana untuk mendapatkan hasil maksimal dari situs web Anda dan membebaskan setiap petunjuk dari “situs web malu.”

  1. Bedakan merek Anda.

Salah satu hal terpenting ketika Anda pertama kali memulai bisnis adalah memutuskan bagaimana Anda akan merek sendiri. Sebagai seorang seniman, ini seringkali lebih mudah karena Anda sudah memiliki banyak komponen visual dalam pekerjaan Anda. Tetapi masih penting untuk memilih warna, font dan kata kunci yang akan mengingatkan orang lain tentang “gaya” bisnis Anda. Apakah Anda pendiam dan profesional, menyenangkan dan lancang, atau artis yang disiksa? Anda harus menentukan gaya ini dengan mempertimbangkan pekerjaan Anda karena seni Anda, merek Anda dan basis pelanggan Anda semua harus bekerja sama.

  1. Identifikasi target pasar.

Tentukan siapa yang akan Anda coba jangkau dengan upaya pemasaran Anda. Orang-orang ini tidak akan menjadi satu-satunya yang akan membeli karya seni Anda, tetapi mereka akan menjadi orang-orang yang akan Anda ajak bicara tentang keputusan bisnis Anda dan kepada siapa Anda akan pergi ketika Anda mengalami musim yang lambat. Biarkan branding dan karya seni Anda membantu menginformasikan keputusan ini. Jika Anda memiliki gaya melukis urban yang sangat kontemporer, Anda sebaiknya tidak mencoba memasarkan karya seni Anda kepada wanita berusia 80-an yang tinggal di daerah pedesaan — bukan karena anak berusia 80 tahun tidak akan pernah membeli karya Anda, tetapi karena karya seni Anda menang ‘ t menarik demografis ini. Stereotyping hanyalah bagian dari proses ini, sayangnya. Juga, pertimbangkan psikografis selain demografi: ketika menerapkan kampanye pemasaran, Anda harus mengetahui kepribadian pasar Anda.

  1. Ambil foto yang bagus.

Di web, fotografi adalah salah satu aspek terpenting dari bisnis Anda. Jika pelanggan potensial tidak dapat melihat karya seni Anda sebaik mungkin, maka mereka tidak akan mau membelinya. Anda tidak dapat memperbaiki masalah pencahayaan selama proses penyuntingan, misalnya. Juga, gunakan branding Anda untuk membantu Anda mengambil foto yang mengemas pukulan.

  1. Tunjukkan harga Anda.

Meskipun subjek ini menerima banyak perdebatan di dunia seni, lebih efektif untuk mengetahui harga Anda di situs web Anda. Ini memungkinkan orang untuk memutuskan apakah mereka mampu membeli karya seni Anda. Menampilkan harga Anda berarti Anda tidak akan membuang waktu untuk melakukan panggilan telepon dari orang-orang yang tidak akan pernah membeli pekerjaan Anda dan memberi Anda lebih banyak waktu di studio.

  1. Buat proses pembelian mudah.

Meskipun situs web menawan sangat bagus, bagian terpenting dari keberadaan online Anda adalah memungkinkan pelanggan melakukan pembelian dengan mudah, termasuk memilih barang favorit mereka, membayarnya, dan menerima kiriman. Artis sering mempersulit proses ini dengan membuat pelanggan mereka memanggil mereka terlebih dahulu, dengan tidak mencantumkan harga di situs mereka, atau hanya menampilkan satu gambar potongan sehingga pelanggan potensial dibiarkan mempertanyakan detail. Situs web artis paling efektif memiliki kemampuan e-commerce, dan karenanya pelanggan dapat membeli secara online sendiri hanya dengan beberapa klik.

  1. Pelihara situs web Anda.

Banyak seniman membuat situs web yang menakjubkan dan kemudian melupakannya. Situs web harus merupakan iklan bisnis yang hidup dan bernafas. Minimal, periksa situs web Anda setiap tiga bulan untuk memastikan bahwa semua informasi terbaru dan tidak ada gangguan besar. Tahan menjadi artis yang tidak memeriksa situs webnya selama beberapa bulan, mengetahui bahwa dia belum membayar biaya hostingnya, dan mengetahui bahwa tuan rumah telah mengambil situsnya dan menghancurkan file-file tersebut. Setelah skenario seperti itu, Anda mungkin harus mulai dari awal. Gangguan kecil juga dapat terjadi, membuat situs Anda terlihat tidak profesional.

  1. Fokus pada pengalaman.

Pelanggan cerdas. Mereka ingin benar-benar terhubung dengan artis di balik seni dan untuk mengalami pekerjaan Anda secara emosional. Tingkatkan pengalaman pelanggan dengan branding. Branding melibatkan peningkatan rasa situs web Anda, meningkatkan kisah dalam salinan Anda dan menggunakan foto-foto produk yang menarik. Pergi sejauh yang Anda bisa dalam kehidupan pelanggan. Beberapa seniman bahkan menyediakan instalasi seni, mempekerjakan seseorang untuk menggantung karya di dinding di rumah pelanggan untuk memastikan bahwa pelanggan menikmati pengalaman mewah dengan seni. Merek Anda tidak perlu sejauh itu, tetapi penting untuk memikirkan untuk memperluas pengalaman itu ke dalam kemasan karya seni Anda dan mungkin bahkan lebih jauh.

  1. Buat rencana pemasaran.

Sesuatu tentang perencanaan membuat para seniman ketakutan, tetapi ini sangat penting. Tanpa rencana, Anda bertabrakan dari satu ide ke ide yang lain, dan tidak ada yang benar-benar bekerja bersama, sehingga pemasaran menjadi tidak efektif. Jika Anda membuat sketsa di jejaring sosial mana yang akan Anda gunakan, berapa banyak yang akan Anda belanjakan dalam iklan berbayar, apakah Anda akan memiliki blog, dan publikasi mana yang Anda inginkan untuk publisitas, maka Anda memiliki arahan fokus dan dapat bekerja untuk mencapai sasaran ini

Lingkaran dan Perangkap Lesensi Seni

14 Oct 19
irene san
, , , ,
No Comments

Di dunia iiStock, Anda akan menghabiskan sepanjang hari di studio dan mendapatkan cukup uang dari sumber asli Anda untuk membayar tagihan dan memiliki banyak sisa untuk vila Tuscan itu. Tetapi bagi banyak orang oke, jujur ​​saja, sebagian besar  ​​artis, itu tidak berjalan seperti itu. Saat ini, Anda harus menjadi pemasar yang baik seperti halnya Anda seorang seniman. Di situlah lisensi seni masuk.

Jika Anda seorang purist, Anda mungkin keberatan dengan gagasan melihat karya Anda direproduksi secara cetak-sesuai-permintaan, atau berdasarkan kalender, kartu pos, magnet, dan barang-barang lainnya, tetapi lisensi seni dapat membuka dunia peluang dan pendapatan aliran yang membantu membayar tagihan  dan memberi Anda banyak paparan.

Yang mengatakan, seniman harus berhati-hati tentang beberapa perizinan dan perangkap perangkap. Jay Landrum, seorang pengacara dengan pengalaman luas yang mewakili seniman, penerbit seni, pemberi lisensi dan pemegang lisensi, membahas perangkap-perangkap itu bersama kami.

Jay Landrum: Berdasarkan penciptaan karya asli, Anda secara otomatis memiliki hak cipta. Namun masih merupakan ide yang bagus untuk mendaftarkan hak cipta ke Kantor Hak Cipta A.S., karena hal itu akan semakin menentukan hak Anda. Ini hal yang cukup sederhana, dan, jika Anda belajar melakukannya sendiri, pengajuan Anda tidak mahal sama sekali.

Dengan merek dagang, Anda melamar hak untuk menggunakan kata atau serangkaian kata secara eksklusif dengan serangkaian barang tertentu. Misalnya, saya tidak dapat memulai perusahaan besok bernama Apple Computers, tetapi saya mungkin dapat memulai yang bernama Apple Art Gallery.

Saya dulu mewakili Thomas Kinkade, dan ia dikenal luas sebagai “Pelukis Cahaya.” Frasa ini adalah contoh penggunaan merek dagang untuk merek artis.

Dalam beberapa kasus, artis mungkin memiliki rahasia atau hal-hal rahasia tertentu yang ingin mereka lindungi. Sebagai contoh, katakanlah Anda adalah seorang pematung, dan Anda bekerja dengan beberapa jenis bahan plastik atau karet, Anda telah menemukan cara menggunakannya untuk membuat produk yang unik, dan tidak ada orang lain yang mengetahuinya. Anda mungkin menyimpannya sebagai rahasia dagang dengan membatasi siapa yang mengetahuinya, dalam hal ini, itu milik Anda selama Anda menyimpannya dan tidak ada orang lain yang secara independen mengetahuinya. Atau, Anda mungkin memutuskan untuk mengajukan paten, tempat Anda mengungkapkannya kepada dunia dengan imbalan masa penggunaan eksklusif selama 20 tahun.

Daftar pelanggan yang telah Anda kembangkan dari waktu ke waktu juga memiliki nilai dan perlu dilindungi. Anda dapat melindungi rahasia Anda dengan menandatangani perjanjian kerahasiaan sebelum Anda mengungkapkannya.

Setiap kali Anda melisensikan sesuatu dengan seseorang, mereka hampir selalu menginginkan hak eksklusif karena mereka ingin orang lain di luar sana bersaing. Tetapi, tergantung pada siapa Anda melisensikannya, Anda mungkin tidak ingin atau perlu memberi mereka eksklusivitas.

Misalnya, Anda akan melisensikan karya seni ke perusahaan kalender. Anda tidak ingin memberi mereka hak eksklusif untuk gambar-gambar itu dan tidak dapat melisensikannya pada produk lain! Tetapi perusahaan kalender mungkin tidak ingin gambar-gambar itu muncul di tempat lain. Jadi itu selalu merupakan tindakan penyeimbang. Ada beberapa cara berbeda untuk menangani ini.

Anda mungkin berkata, “Saya akan melisensikan Anda hak untuk meletakkan karya seni saya di kalender, dan saya akan memberi Anda 12 gambar ini. Saya berjanji untuk tidak memberikannya kepada siapa pun yang saya lakukan dengan kalender. “Itu eksklusivitas gambar. Atau Anda dapat mengatakan, “Saya akan melisensikan kalender Anda, dan saya tidak akan melisensikan kalender siapa pun, tetapi itu tidak berarti saya tidak akan melisensikan cangkir kopi dan magnet.” Ini adalah eksklusivitas produk. Cara ketiga adalah kesepakatan saluran distribusi. Anda akan berkata, “Saya akan melisensikan Anda untuk menjual produk di pasar Kristen tetapi tidak di tempat lain.” Terakhir, ada eksklusivitas geografis. Anda mungkin berkata, “Saya akan melisensikan Anda hak di A.S., tetapi saya akan melisensikan orang lain ini di Meksiko.” Sering kali, ini merupakan kombinasi dari beberapa konsep ini. Pada dasarnya, Anda mencoba untuk memberikan hak lisensi yang cukup sehingga layak bagi mereka untuk berinvestasi dalam produk tanpa memberi mereka lebih dari yang mereka butuhkan dan membatasi peluang Anda sendiri. Ingatlah: Hak eksklusif untuk mereka berarti Anda tidak dapat memberikannya di tempat lain, jadi pastikan itu sepadan.

Anda benar-benar melakukannya. Dan bagian dari bagaimana Anda memastikan kesuksesan adalah dengan menetapkan tonggak sejarah. [Langkah] ini sangat penting, dan di sinilah banyak artis gagal. Mereka gagal untuk menempatkan ketentuan dalam perjanjian mereka yang benar-benar membuat kaki pemegang lisensi terbakar.

Seni dengan Desain

09 Oct 19
fajar
, , , ,
No Comments

Stephanie Rossi, pemilik perusahaan desain Spazio Rosso di Boston dan salah satu dari 10 Desainer Interior Top majalah Boston Common yang Tahu, pernah mencoba meyakinkan dirinya bahwa hasratnya, seni, tidak pernah bisa menjadi pekerjaannya. Namun, setelah menyelesaikan sekolah bisnis dan membantu suaminya, koki, merancang restoran, ia menyadari keengganannya sia-sia. Dia mendaftar dalam program desain interior di Universitas Suffolk di Boston dan tidak lama kemudian muncul ke dunia desain kota dan ke halaman-halaman Majalah Boston Globe, majalah Boston, Design New England dan New England Home.

Kami melacaknya untuk mencari tahu bagaimana seorang desainer interior menentukan karya seni apa yang sesuai dengan selera dan gaya hidup kliennya, galeri Boston mana yang menjadi favoritnya, dan apa yang dibuat oleh seniman untuk digantung di dindingnya sendiri di rumah.

Stephanie Rossi: Saya selalu memiliki latar belakang seni rupa dan terlibat dalam kelas dan kegiatan ekstrakurikuler di sekitar seni, tetapi saya tidak ingin sesuatu yang benar-benar saya nikmati sebagai hobi untuk menjadi keputusan karir yang penuh tekanan. Setelah sekolah bisnis, saya bertemu dengan suami saya, yang adalah seorang koki, dan dia akan membuka restoran di kilang anggur dan membutuhkan bantuan dengan dekorasi dan tata letak untuk restoran. Itu agak mengejutkan saya kemudian bahwa desain interior adalah cara yang baik bagi saya untuk melibatkan semua hal yang saya sukai tentang seni dan belajar tentang hal itu dan hubungan spasial dan warna dan kain serta bentuk dan ukuran menjadi satu hal yang dapat saya sebut sebagai profesi. .

Saya pikir mungkin itu lebih membantu daripada latar belakang seni saya dalam berurusan dengan orang-orang dan psikologi bekerja dengan individu-individu pada subjek yang begitu akrab dan sensitif. Anda berada di rumah orang-orang berbicara dengan mereka tentang cara mereka hidup, tetapi Anda juga menjalankan bisnis. Ada garis tipis tentang bagaimana menikahi hal-hal itu bersama.

Ini semacam perpecahan. Beberapa klien saya memiliki koleksi mereka sendiri yang harus kami masukkan, tetapi banyak dari mereka, karena mereka lebih muda, tertarik untuk dididik tentang hal itu, jadi kami melalui proses belajar tentang berbagai galeri dan seniman yang berbeda untuk menemukan apa yang mereka sukai dan apa yang sesuai dengan anggaran mereka.

Saya suka mendesain dari awal. Maksudku, siapa yang tidak? Saya pikir impian setiap desainer adalah memiliki papan tulis kosong. Tapi saya suka tantangan ketika seorang klien datang kepada saya dan berkata, “Saya punya beberapa bagian yang jelas-jelas perlu kita gabungkan.” Itu adalah tantangan yang sangat fantastis untuk dimiliki oleh setiap desainer.

Anda bisa merasakan tingkat pengalaman seseorang [dengan seni] begitu Anda pergi ke rumah mereka atau melihat gambar-gambar Pinterest tentang hal-hal yang mereka sukai. Setelah Anda mengetahui di mana mereka berada, Anda tidak ingin membanjiri atau mengintimidasi mereka dengan menunjukkan kepada mereka artis-artis tertentu. Jadi, pada awalnya, saya akan mengarahkan mereka ke galeri lokal yang memamerkan beberapa seniman dan pematung, dan kami akan mengunjungi mereka jika mereka memiliki bukaan dan mengembangkan gagasan tentang apa tingkat kenyamanan klien. Anda bisa mendapatkan indera mendalam saat seseorang melihat sesuatu. Mereka mungkin tidak memberi tahu Anda secara verbal, tetapi Anda dapat memberi tahu reaksi mereka secara fisik kepada [seorang artis]. Ini adalah topik sensitif karena tidak ada yang ingin segera mengatakan, “Oh tidak, saya tidak suka itu.” Ini seperti anggur. Semua orang merasa terintimidasi dengan rasa anggur. Ini psikologi dari itu. Anda ingin mengarahkan klien ke galeri atau grup artis tertentu tempat Anda dapat sedikit membatasi, tetapi tidak terlalu jauh.

Saya serahkan kepada mereka sebuah latihan pemecah kebekuan, serangkaian pertanyaan yang sama sekali tidak berhubungan dengan selera kreatif mereka, hanya tentang bagaimana mereka hidup dan berpikir. Sebagai contoh, saya pikir sangat penting untuk mengetahui apa yang mereka baca: buku seperti apa yang Anda suka baca atau majalah tempat Anda berlangganan, atau bagaimana Anda mendapatkan surat? Itu adalah hal-hal pada level psikologis yang menunjukkan bagaimana otak mereka bekerja. Apakah mereka berotak kiri atau berotak kanan? Apakah mereka lebih literal? Apakah ini analitis? Hal lain yang saya tanyakan adalah: Apakah Anda condong ke lantai? Beberapa klien tidak tahu apa yang saya maksud dengan itu. Rasanya, jika Anda duduk atau melakukan pertemuan dengan seseorang atau menonton televisi, apakah Anda duduk di lantai ketika melakukan itu, atau apakah Anda selalu duduk di meja, meja, atau kursi? Itu adalah hal-hal kecil yang mereka tidak sadari penting, tetapi itu memberi saya perasaan [apakah] mereka lebih santai atau lebih terstruktur.Seni

Dari Halaman Lucu Ke Seni Rupa

05 Oct 19
irene san
, , , ,
No Comments

“Dalam buku kehidupan, jawabannya tidak ada di belakang.” Filsuf besar yang mengucapkan kata-kata itu bukanlah Konfusius, Socrates, Karl Marx atau Jean-Jacques Rousseau, tetapi Charlie Brown: antihero eksistensialis eksistensialis mendiang Charles Strip kartun populer M. Schulz, Kacang Tanah.

Hidup itu tidak lain dari buku teks, dan jeda terbesar kita sering datang tanpa naskah. Begitulah saat seniman California Tom Everhart bertemu Schulz, yang karya-karyanya akan menjadi inspirasi terbesarnya. Pada saat itu, Everhart adalah seorang desainer lepas tanpa pengalaman kartun. Sebuah perusahaan taman bermain memintanya untuk menggambar karakter Kacang untuk tugas. Ingin mendapatkan perasaan tentang bentuk Schulz, Everhart memproyeksikan beberapa strip kartunis ke dinding setinggi 25 kaki di studionya. Apa yang dilihatnya mengejutkannya.

Kacang 25-Kaki

“Mengherankan! Garis-garis hitam yang luar biasa dan elegan ini memimpin studio gelap saya seperti kabel suspensi yang membentang di jembatan yang dengan anggun bergoyang dari menara ke menara, ”kenang Everhart. “Aku benar-benar meledakkan stripnya terlalu besar untuk dinding, yang memotong balon teks dan perbatasan komik, hanya menyisakan garis hitam indah yang lebih besar dari kehidupan ini. Mereka memiliki gerakan seperti gema di ngarai. ”

Melihat lebih dekat, Everhart mulai melihat gema lukisan tinta Tiongkok dan lukisan hitam-putih ekspresionis abstrak tahun 40-an dan 50-an, seperti Franz Kline, Willem de Kooning dan Robert Motherwell.

“Saya tidak pernah berhasil melewati gambar stripnya yang pertama,” kata Everhart. “Aku duduk di depannya selama berjam-jam. Saya bahkan tidak ingat meninggalkannya. ”

Maju cepat ke pertemuan lapangan di perusahaan taman hiburan. Everhart tidak tahu bahwa Schulz, mengenakan baju olahraga, telah menyelinap ke bagian belakang ruangan. Ketika Schulz melihat tayangan kartun Everhart dari kartunnya sendiri, ia sangat terkesan sehingga ia segera membawa Everhart kembali ke studionya untuk sesi peninjauan. Kritik dengan cepat berbalik untuk bermain.

“Dia mengeluarkan tinta dan pena, dan untuk waktu yang lama kami tidak menggambar apa pun kecuali garis — hanya garis! Tapi itu bukan sekadar tanda abstrak, ”kata Everhart. “Dia sebenarnya, dengan setiap pukulan, menunjukkan padaku bahasanya yang unik.”

Persahabatan yang akrab lahir.

Duka yang bagus

Everhart2Kemudian tragedi itu menimpa: Pada tahun 1988, Everhart didiagnosis dengan kanker usus besar stadium 4 dan kanker hati.

“Semuanya berhenti,” kenangnya pada waktu yang menantang itu.

Everhart berhasil melewati dua operasi 10 jam dan menghabiskan satu tahun menjalani kemoterapi radikal di Rumah Sakit Johns Hopkins di Baltimore. Di sana, di ranjang rumah sakit, dikelilingi oleh bunga-bunga, tumpukan buku-buku seni dan setumpuk komik strip yang dikirimkan Schulz kepadanya, inspirasi datang.

“Cahaya yang mengalir masuk dari jendela tampaknya hampir memproyeksikan serangkaian gambar yang terinspirasi Schulz ke dinding,” kata Everhart. “Saya duduk di sana mengisi buku sketsa tebal saya dengan gambar. Saya telah jatuh cinta; Saya telah menemukan gairah baru ini. “Gambar-gambar ini akan mengarah pada lukisan yang menjadi karya hidupnya.

Dengan restu penuh Schulz, Everhart mulai membuat lukisan yang hidup lebih besar dari pada garis dan karakter dalam Kacang Tanah. Di bawah kuas cat Everhart, Snoopy, Charlie Brown, Linus dan anggota geng Peanuts lainnya membebaskan diri dari perbatasan komik dan menjulur melewati kanvas. Mereka juga mulai mengeksplorasi dimensi baru dari pengalaman manusia.

Kaleidoskop Warna dan Emosi

“Rage Rover” menunjukkan Snoopy akan balistik dalam lalu lintas. “Screaming Low-Blood Sugar Blonde” menampilkan Sally kehilangan kelerengnya saat makan siang. “Rahasia Tiongkok Kuno – Mei (Taha’a)” menunjukkan Snoopy yang tak kenal takut mengambil angsa menyelam dari tebing-tebing berwarna cerah ke lautan kuning tanpa batas.

Acara Belanja

01 Oct 19
laura bapao
, , , ,
No Comments

Setiap bulan Desember, lebih dari 50.000 kolektor seni, pemilik galeri, dan perancang turun ke Miami, tujuan musim dingin untuk komunitas seni rupa. Kota ini menjadi tuan rumah lebih dari 20 pameran seni bulan itu, dari raksasa bertingkat, seperti Art Basel, Art Miami, Scope dan Pulse, hingga pameran butik, seperti SPECTRUM Miami, Ink dan Aqua.

Di tengah semua kegembiraan, orang banyak dan media cenderung mengerumuni karya seni eklektik yang lebih menarik, seperti halnya penonton pameran mobil tertarik ke Serambi, Lamborghini, dan Maseratis. Namun ketika tiba saatnya untuk membeli, kebanyakan orang menyukai seni yang elegan dan terjangkau. Pada akhirnya, tidak ada banyak orang yang benar-benar ingin membeli — atau mampu — patung raksasa senilai $ 150.000, misalnya, Donald Duck dalam pakaian Komunis.

Jika Anda salah satu dari banyak pecinta seni yang mencari seni yang ramah dan bersahaja, temukan kiat-kiat berikut:

  1. Pergilah ke pameran besar untuk bersenang-senang, tetapi belanja pameran yang lebih kecil

Dengan segala cara, kunjungi pameran seni besar dan ikonik yang memulai semuanya. Art Basel, Art Miami, Scope, dan lainnya menawarkan permen mata mewah, seni pertunjukan yang menghibur dan makanan untuk dipikirkan. Tetapi ketika tiba saatnya untuk membeli, pembeli yang lebih sadar anggaran harus mengunjungi galeri yang lebih kecil dan pameran seni. Tempat-tempat yang harus dikunjungi termasuk Aqua, Nada, Pool, Verge, Overture Miami dan, tentu saja, SPECTRUM Miami. (Sebagai CEO SPECTRUM, saya akui saya sedikit bias!).

  1. Jelajahi galeri untuk menemukan barang yang tidak ada duanya

Mengembara di labirin pameran seni besar kadang-kadang bisa terasa luar biasa. Jika Anda mencari dosis yang lebih kecil dan pengaturan yang lebih intim untuk mengeksplorasi seni, Anda akan menikmati segelintir galeri di Distrik Seni Wynwood yang trendi. Majalah kompleks bernama Wynwood lingkungan keenam paling bergaya di dunia. Ini adalah rumah bagi lebih dari 70 galeri, museum, dan koleksi. Anda akan bersenang-senang menjelajahi surga artis ini, dan Anda pasti akan bertemu dengan beberapa orang baru yang menarik.

  1. Berbaurlah dengan peserta pameran dan tanyakan tentang penawaran mereka

Di sebuah pameran seni atau pembukaan, seniman dan galeri hanya memamerkan sebagian kecil karya mereka. Dalam banyak kasus, mereka membawa barang-barang kelas atas mereka. Jika Anda benar-benar menyukai karya tertentu, dekati artis, pemilik galeri atau penerbit yang memamerkan karya seniman tersebut dan cari tahu apakah ada karya lain dalam kisaran harga Anda. Tanyakan apakah seniman tersebut menawarkan reproduksi karya edisi terbatas dan berkualitas arsip, seperti yang dilakukan banyak seniman. Jika Anda tidak mampu membeli karya besar seorang seniman, tanyakan apakah ia juga memiliki karya yang lebih kecil. Tidak ada salahnya untuk bertanya, dan itu memberi Anda kesempatan untuk mengenal artis dan belajar tentang inspirasi, teknik, dan tubuh pekerjaan yang lebih besar.

Beberapa kata lagi untuk orang bijak: Sebelum Anda keluar, ambil foto ruang yang Anda rencanakan untuk didekorasi, apakah itu rumah Anda, kantor Anda, atau pengaturan perusahaan. Saat membuat keputusan tentang membeli barang, ada baiknya Anda melihat apakah dekorasi Anda cocok atau tidak. Di atas segalanya, nikmatilah pekerjaan yang berbicara kepada Anda dalam beberapa cara di atas yang mungkin hanya sekadar khayalan yang lewat. Selamat bersenang-senang!

Cara Baru untuk Belajar

28 Sep 19
fajar
, , , ,
No Comments

Saya tinggal di California, dan saya sudah mengajar seni selama sekitar dua tahun sekarang. Rekan guru saya, Pauline Agnew, tinggal di Irlandia. Kami bertemu secara online secara berkala untuk menawarkan instruksi seni, dan siswa kami berkumpul dari seluruh penjuru bumi – Inggris, Australia, Cina, India, dan Mesir, untuk beberapa nama. Saya telah menyaksikan formasi pertemanan online, pembubaran blok seniman, dan kesenangan siswa ketika kepercayaan mereka mekar setelah menemukan teknik, warna atau konsep baru.

Artis dari semua latar belakang dan tingkat pengalaman mengambil dan mengajar kursus elektronik. Dari seni lukis intuitif dan abstrak hingga gambar teknik dan instruksi melukis yang lebih tradisional, dunia seni online terbuka untuk semua orang. Yang Anda butuhkan hanyalah komputer, koneksi internet dan, seperti semua lainnya dalam seni, dedikasi.

Untuk guru, mengembangkan kurikulum online membutuhkan waktu, seperti halnya untuk kelas tradisional, tetapi hasilnya bisa sepadan dengan usaha. Beberapa instruktur menggunakan video sebagai satu-satunya sumber instruksi mereka, dan beberapa hanya menjual video atau unduhan MP4 dan menawarkan beberapa kritik. Yang lain mungkin menawarkan lebih banyak interaksi siswa-guru menggunakan berbagai sumber pengajaran di samping video.

Pauline dan saya menggunakan grup Facebook pribadi sebagai tempat pertemuan virtual bagi siswa kami untuk berinteraksi dan berbagi karya seni, ide, dan pertanyaan. Hanya peserta dan guru yang memiliki akses ke kelompok pendukung ini. Untuk memulai kelas, kami meminta siswa untuk memposting foto di mana mereka tinggal, yang segera membuat semua orang terlibat dan bersemangat. Ini juga menciptakan persahabatan langsung yang menetapkan panggung untuk suasana kelas yang mendukung. Zona waktu menjadi tidak relevan karena artis yang berpartisipasi di seluruh dunia memposting komentar dan menyelesaikan tugas pada waktu dan kenyamanan mereka sendiri.

Kami jug menggunakan situs web interaktif yang fantastis, VoiceThread (voicethread.com). Alat hebat untuk pendidik ini menyediakan alternatif sederhana untuk video. Dengan menggunakan situs web ini, siswa dapat mendengar komentar saya yang direkam dan menonton ketika saya menggambar tanda pada pekerjaan mereka untuk menggambarkan perbaikan atau perbaikan. Siswa juga dapat menggambar dan mengomentari VoiceThread pada waktu dan jadwal mereka sendiri. Ini memungkinkan Anda untuk menggunakan berbagai teknik dan latihan seni menggunakan PowerPoint atau Keynote, yang dapat Anda unggah ke VoiceThread alih-alih atau sebagai tambahan video. VoiceThread dan alat serupa membuatnya mudah untuk berinteraksi secara individu dengan siswa.

Situs web WordPress tampaknya menjadi pilihan banyak instruktur online. Ini menawarkan platform paling fleksibel untuk memungkinkan Anda membuat tulisan harian tentang materi kelas. Posting ini dapat menyertakan VoiceThreads dan tautan ke YouTube atau Vimeo dan tugas. Pengaya seperti Membersonik menjaga informasi aman dan terpisah dari halaman publik Anda.

Pertumbuhan artistik di kelas-kelas ini luar biasa. Orang-orang yang terlalu takut untuk berpartisipasi dalam kelompok atau pengaturan kelas yang khas telah menemukan cara yang aman untuk menciptakan di waktu mereka sendiri dan di rumah atau studio mereka sendiri, mungkin bahkan di piyama mereka.

Kemitraan Bisnis Baru

05 Sep 19
irene san
, , , ,
No Comments

Pada awal kemitraan bisnis baru, baik pemilik galeri dan seniman sering bertanya-tanya apakah mereka membutuhkan perjanjian pengiriman, kontrak yang dapat ditegakkan secara hukum yang mendefinisikan persyaratan penjualan dan kompensasi.

Jawabannya, dalam hampir setiap kasus, adalah “ya,” meskipun bukan jawaban yang selalu ingin didengar artis. Setelah menginvestasikan banyak waktu dan upaya dalam menemukan dealer yang tepat yang menghargai karya seni dan antusias memamerkannya, banyak seniman enggan melakukan apa pun yang mungkin mengganggu ketenangan.

Seniman juga mungkin merasa bahwa galeri memiliki semua kekuatan, reputasi, dan sumber daya keuangan; sepertinya mereka membutuhkan galeri jauh lebih banyak daripada galeri membutuhkannya. Pada kenyataannya, hubungan antara artis dan dealer adalah salah satu kebutuhan dan saling menguntungkan. Dealer tidak akan ada tanpa karya seni yang dibuat dan dikirim oleh artis.

Pemilik galeri dapat berupaya menjalin hubungan pribadi dengan artis, yang dibangun atas dasar apresiasi terhadap karya seni dan keterampilan seniman. Beberapa pemilik galeri takut bahwa menyarankan dan kemudian menegosiasikan dokumen hukum formal, seperti perjanjian konsinyasi, dapat merusak hubungan pertemanan tersebut.

Caranya adalah dengan mencapai keseimbangan yang tepat yang melindungi kepentingan kedua belah pihak. Perjanjian pengiriman yang dirancang dengan baik menentukan persyaratan pengaturan dari perspektif bisnis dan perspektif artistik. Ini secara hukum melindungi kedua belah pihak dan mencegah kekecewaan yang mungkin timbul dari kurangnya pemahaman atau harapan yang jelas.

Paling tidak, perjanjian konsinyasi harus mencakup bidang-bidang berikut.

  1. Agensi. Artis memberikan galeri hak untuk memamerkan dan menjual karya seni yang diserahkan oleh artis berdasarkan perjanjian. Hibah ini menciptakan “agensi.” Galeri menjadi agen artis; ia memiliki kekuatan untuk bertindak atas nama artis. Inventaris secara khusus mengidentifikasi karya seni yang dicakup oleh perjanjian. Para pihak harus sepakat tentang apakah galeri akan menjadi agen eksklusif artis dan, jika demikian, apakah agen eksklusif itu hanya berlaku untuk karya seni yang dicantumkan dalam daftar inventaris atau untuk semua karya yang dibuat oleh seniman. Perjanjian juga harus menentukan jangka waktu pengiriman, termasuk tanggal dimulainya dan pengakhiran, dan wilayah geografis di mana perjanjian eksklusif berlaku.
  2. Harga. Lembar inventaris harus mencantumkan harga penjualan eceran yang disepakati untuk masing-masing karya seni dan deskripsi masing-masing karya, termasuk dimensi, media, dan judul. Perjanjian pengiriman harus menentukan apakah galeri memiliki hak untuk menjual karya seni dengan diskon dari harga penjualan eceran yang disebutkan dan, jika demikian, jumlah maksimum diskon itu.
  3. Komisi dan Biaya. Perjanjian tersebut harus menetapkan komisi yang harus dibayarkan ke galeri dan pihak mana yang bertanggung jawab atas pengeluaran. Misalnya, harus mencantumkan apakah galeri atau artis bertanggung jawab atas pengeluaran krating dan pengiriman; asuransi; dan biaya promosi, termasuk biaya untuk pameran, katalog, pembingkaian, promosi, foto, dan iklan.
  4. Pembayaran dan Akuntansi. Bagian dari perjanjian ini menentukan kapan artis akan menerima pembayaran dari hasil penjualan setelah dikurangi komisi galeri. Galeri harus memelihara pernyataan akun untuk semua penjualan seni dan harus secara berkala memberikan salinan kepada artis — bulanan, tiga bulanan, atau pada saat penjualan karya seni. Artis harus memiliki hak untuk memeriksa buku-buku dan catatan-catatan galeri terkait dengan penjualan karya seni.
  5. Promosi dan Pameran. Galeri harus berkomitmen pada beberapa standar untuk mempromosikan penjualan karya seni dan menyelenggarakan satu atau lebih pameran untuk seniman selama masa pengiriman. Galeri harus mengidentifikasi dengan jelas setiap karya seni dengan nama artis.
  6. Hak Cipta dan Reproduksi. Hak cipta dan hak reproduksi menjadi perhatian penting bagi artis, dan galeri harus memberikan hak ini kepada artis kecuali artis dan galeri telah membuat pengaturan alternatif. Misalnya, galeri mungkin ingin memiliki hak untuk memotret karya seni sebagai bagian dari upaya promosinya dalam periklanan umum atau dalam pembuatan katalog pameran. Galeri juga mungkin menginginkan hak untuk menggunakan dan menerbitkan nama, gambar, dan biografi artis dan untuk mereproduksi dan mendistribusikan materi yang menggabungkan foto-foto karya seni.
  7. Hadiah dan Pertukaran. Galeri harus menentukan apakah akan memerlukan komisi jika seniman ingin memberikan karya seni kepada teman, kolega, penasihat, sekolah atau lembaga budaya. Demikian juga, jika artis ingin memberikan karya seni kepada pihak ketiga dengan imbalan layanan, apakah artis berhak untuk melakukannya tanpa membayar komisi ke galeri?

Berbagi cerita Kuba

21 Jun 19
fajar
, , , ,
No Comments

Kisah-kisah Kuba, sebuah negeri yang begitu dekat namun begitu jauh, mengajarkan dunia tentang kehidupan dan perjuangan orang-orang di negara yang terisolasi. Mungkin tidak ada yang lebih terinspirasi dari pemilik Conde Kontemporer, Stacy Conde, yang, di kota asalnya, Miami, mengelola galeri yang berspesialisasi dalam seni Kuba.

Meskipun ia memulai di dunia mode sebagai anak didik ikon desain Inggris Barbara Hulanicki, Conde mengatakan bahwa membuat transisi ke seni “hampir tidak ada artinya.” Setelah mendesain ulang hotel Art Deco yang patah hati dan mengerjakan pakaian yang dijual Hulanicki dalam dirinya. Toko London, Biba, Conde menemukan bahwa “Seni adalah mode. Seni adalah segalanya. ”

Menikah dengan artis kontemporer kelahiran Kuba, Andres Conde, Stacy Conde pertama kali memasuki dunia seni pada tahun 1998 dengan Goodman-Conde Gallery. Dia sekarang telah mendirikan toko di Little Havana untuk berbagi karya dan kisah-kisah budaya yang dengannya dia sangat mengidentifikasi.

Kami bertanya kepada Conde tentang perjalanannya, galeri Miami-nya dan efek Kuba-AS terbaru. pengumuman diplomatik di dunia seni.

Stacy Conde: Saya lahir dan besar di Miami, jadi kedekatan adalah sesuatu. Ada beberapa gelombang imigrasi Kuba ke Amerika Serikat, dan salah satunya adalah [Mariel Boatlift, emigrasi massal orang-orang Kuba yang berangkat dari Pelabuhan Mariel Kuba ke Amerika Serikat antara 15 April dan 31 Oktober 1980]. Saya berumur 10 tahun, dan itu sangat mempengaruhi saya. Kami menerima lebih dari 100.000 orang Kuba dalam … satu tahun ke Miami, dan hampir menyakitkan untuk menonton. Anda memiliki orang-orang ini yang telah meninggalkan segalanya — kehilangan segalanya, kecuali martabat mereka dan pencarian mereka akan kebebasan — dan, ketika mereka mulai berasimilasi dengan masyarakat, Anda tumbuh bersama mereka. Dan saya baru saja menemukan budaya yang sangat dekat, percaya atau tidak, budaya Selatan, dari mana nenek saya berasal. Sangat berpusat pada makanan, berpusat pada keluarga. Anda tertawa, Anda berkelahi, Anda menari, Anda mencium, Anda peluk dan Anda makan. Benar-benar budaya yang indah dan hangat yang sangat kaya dalam banyak hal. Pengaruh berbeda dalam budaya diekspresikan dalam seni – pengaruh Eropa, pengaruh Afrika dan pengaruh asli. Ini penggabungan yang indah ini.

Itu berbicara kepada saya. Jika Anda sangat terkait dengan suatu budaya dan Anda benar-benar menyukai orang-orang, Anda menyukai cara mereka dan Anda menyukai chutzpa mereka, Anda akan menyukai ekspresi mereka di berbagai tingkatan. Itu adalah cinta untuk budaya. Dan kemudian Anda melihat sekelompok orang yang telah menderita dan berjuang untuk waktu yang lama dan, dalam banyak kasus, mempertahankan rasa apung, rasa humor ini, pandangan yang menakjubkan ini. Dan jika Anda mendapatkan seorang seniman yang seperti itu, Anda menonton apa yang mereka salurkan ke kanvas atau patung, dan itu sangat luar biasa.

Pandangan mereka sangat spesifik karena mereka hampir dikunci. Bahkan Kuba yang berada di luar diaspora pun datang dari perspektif itu. Mereka melihat dunia luar dari perspektif yang berbeda.

Saya harus melihat karya itu dan benar-benar tersentuh oleh pekerjaan itu karena … ada begitu banyak karya seni di luar sana. Ada begitu banyak orang di luar sana yang melakukan pekerjaan yang cukup bagus, jadi, ketika saya melihat sesuatu, saya harus pergi, “Wow. Itu telah menggerakkan saya. ”Setelah itu, saya harus berhubungan dengan para seniman dalam beberapa cara karena … Saya mencari kemitraan jangka panjang dengan artis. Kami sangat mengandalkan satu sama lain. Seperti halnya saya membantu [para seniman], mereka membantu saya. Kami membangun karier bersama. Jadi jika saya tidak memiliki seseorang yang saya rasa dapat memiliki mitra, saya dapat bekerja dengan, maka saya tidak ingin bekerja dengan [orang itu]. Hidup ini terlalu singkat untuk sengsara. Saya tidak tertarik berkelahi. Kami telah menjalani hidup kami sehingga saya menghabiskan sebagian besar waktu saya bersama suami. Studionya ada di belakang galeri. Saya menjalankan semuanya dari depan. Tapi kami minum kopi bersama. Kita bicara. Dan inilah yang saya inginkan dalam hidup saya. Saya ingin itu bahagia. Dan apa yang bisa lebih baik daripada dikelilingi oleh pekerjaan yang indah dan orang-orang cantik di dalamnya — jiwa-jiwa cantik yang menciptakan pekerjaan ini?

Pada saat yang sama, ini merupakan kerja yang sangat sulit. Saya tidak tahu bahwa saya pernah bekerja sekeras ini dalam hidup saya. Itu konstan. Anda melakukan apa yang harus Anda lakukan untuk mewujudkannya. Bukan hanya karier saya. Bukan hanya galeri saya. Semuanya adalah orang-orang yang benar-benar berbakat dan luar biasa yang bekerja bersama saya yang ingin saya tetap bekerja. [Saya] tidak ingin melihat beberapa dari orang-orang ini harus melakukan pekerjaan lain hanya untuk memenuhi kebutuhan hidup.

Barang Untuk Kebaikan

28 May 19
laura bapao
, , , ,
No Comments

Adalah satu hal untuk menciptakan seni dengan niat baik: meningkatkan kesadaran untuk suatu tujuan, memberikan suara kepada yang tertindas, atau hanya membawa sedikit cahaya ke dunia. Tetapi bertindak berdasarkan niat baik itu adalah hal yang sama sekali berbeda.

Bagi penduduk asli Kansas City Christina Eldridge dan Dawn Taylor, tidak cukup hanya berbicara tentang membawa perubahan ke dunia. Kedua wanita tersebut telah melakukan perjalanan ke Afrika dan melihat secara langsung kebutuhan dasar manusia yang tidak terpenuhi: akses ke air minum yang bersih dan aman.

Jadi mereka bersama-sama mendirikan Red Dirt Shop, pasar online yang menawarkan “barang untuk kebaikan.” Semua produk dijual di situs — kotak ponsel, botol air, kaus oblong — fitur desain oleh seniman yang bekerja, dan setiap penjualan menyediakan seluruh tahun akses ke air bersih bagi seseorang yang membutuhkan, berkat kemitraan toko dengan Waterprofit.

Red Dirt Shop membangun model bisnisnya berdasarkan kepercayaan pada kelompok konsumen yang tumbuh yang menghargai produk-produk berkualitas dan ingin membuat perbedaan di dunia. Eldridge dan Taylor bertaruh bahwa konsumen ini akan bersedia membayar harga yang lebih tinggi untuk produk-produk premium yang mendukung tujuan yang layak.

Itu taruhan yang cerdas. Red Dirt Shop telah menjadi kesuksesan yang luar biasa dan menguntungkan. Pada tahun 2014, toko mulai menjual produk yang dibuat oleh pengrajin di Guatemala dan Kenya, menawarkan penciptaan lapangan kerja dan upah yang adil di samping akses air bersih.

Eldridge baru-baru ini membahas bagaimana kedua pengusaha berhasil menggabungkan seni dan perubahan sosial.

Ketika bekerja sebagai penggalangan dana untuk sistem rumah sakit utama, saya mulai menjadi relawan sebagai direktur untuk perjalanan misi medis ke Mali, Afrika Barat. Meskipun saya cukup beruntung untuk melakukan perjalanan internasional, ini adalah pertama kalinya saya pergi ke suatu negara dengan tujuan, bekerja bersama orang-orang lokal, dan masuk ke sepatu mereka. Apa yang saya lihat adalah orang-orang yang miskin, tidak berpendidikan, dan tidak sehat. Saya juga melihat [bahwa] mereka gembira, cerdik, pintar, dan banyak akal, dan memiliki rasa keluarga dan komunitas yang patut ditiru.

Walaupun kemiskinan sangat kompleks dan alasannya bervariasi dari satu daerah ke daerah lain dan dari orang ke orang, saya melihat masalah yang saya rasakan dapat bermitra dengan masyarakat setempat dan membuat perbedaan. Dan itu bukan tentang pemberian atau pemberian sesuatu; itu [tentang] menemukan cara untuk membantu orang-orang ini bangkit dari kemiskinan. Dua area yang saya pikir bisa membuat perbedaan adalah akses air dan penciptaan lapangan kerja. Air adalah hak dasar manusia, tetapi hampir 750 juta orang tidak memiliki akses [ke sana]. Jika orang tidak sehat, mereka tidak bisa menjaga diri mereka sendiri. Kedua, sangat jelas bagi saya bahwa orang-orang menginginkan pekerjaan dan martabat mengurus keluarga mereka sendiri. Tidak ada yang mau hidup dari handout.

Saya ingin memulai sesuatu yang dapat berkembang dan tumbuh dengan cepat, dan itu bukan amal; ini adalah perdagangan. Jadi Red Dirt Shop adalah perusahaan fashion dan aksesoris gaya hidup yang menyumbangkan setahun akses air bersih untuk seseorang yang membutuhkan dengan setiap produk yang dijual. Selain itu, setengah dari produk kami sekarang dibuat oleh pengrajin di komunitas berkembang yang dibayar dengan upah yang adil dan bekerja dalam kondisi yang aman dan sehat