Tag: Ulasan

Seni Memberi

12 Aug 19
fajar
, , ,
No Comments

Semangat kreatif mendorong seniman untuk membuat pernyataan unik dengan karya mereka. Tetapi seniman juga mengekspresikan individualitas mereka melalui upaya mereka untuk membantu orang lain. Baik secara lokal atau di seluruh dunia, seniman menggunakan sumber daya dan energi mereka untuk mendukung umat manusia dalam berbagai cara. Melalui kerja keras, kontribusi langsung dan uang, anggota komunitas seni tidak hanya meningkatkan kehidupan para penerima tetapi juga menginspirasi legiun orang lain untuk bergabung dalam kampanye.

Dalam 20 tahun sejak Mike dan Linda Koligman telah mengoperasikan Galeri Renaissance di California Selatan dan Las Vegas, mereka telah merencanakan banyak acara khusus dan resepsi seniman dengan komponen amal.

“Kami telah melelang sketsa asli dan menyumbangkan hasil ke Ronald McDonald House; Beranda Operasi; Yayasan Susan G. Komen; Habitat for Humanity dan, yang terdekat dan tersayang di hati kami, Pusat Hewan Helen Woodward, ”kata Mike Koligman. Di satu acara semacam itu, pasangan itu melelang sketsa Thomas Kinkade seharga $ 13.000.

Pusat itu menyelamatkan hewan dan memiliki program terapi anjing. Anjing adopsi Koligman adalah anjing terapi, dan mereka bergabung dengannya untuk mengunjungi panti jompo, fasilitas anak-anak, dan rumah sakit. “Kami telah mengumpulkan lebih dari $ 25.000 untuk amal ini melalui acara artis kami,” kata Koligman. “Kita tahu bahwa jutaan hewan di-eutanasia setiap tahun karena mereka tidak bisa mendapatkan rumah ‘selamanya’. Kami menjadi sukarelawan di sini karena kami bersemangat melakukan apa yang kami bisa untuk membantu fasilitas ini. Amal itu penting! ”

Di bawah bimbingan neneknya, Marta Wiley mulai melukis pada usia 2. Hari ini, dia adalah seorang dermawan dan pelukis yang produktif, dan dia memuji neneknya karena membantunya mengembangkan keterampilan seni dan menumbuhkan afinitas karena membantu orang lain. Wiley sangat percaya pada hubungan antara seni dan memberi.

“Saya pikir seni mencerminkan nilai-nilai kehidupan yang lebih tinggi,” katanya. Dia merasa sangat terdorong untuk berbagi bakat dan energinya dengan anak-anak dan hewan.

“Saya selalu percaya pada semangat memberi,” kata Wiley. “Saya orang yang lebih baik untuk itu. Ketika Anda memberi, sesuatu terjadi dalam diri Anda, … dan kebaikan mulai merasuki hidup Anda. Semakin banyak saya memberi, semakin banyak saya kembali. Ini adalah hukum alam universal: Memberi diri kita sendiri adalah tindakan yang tepat. ”

Wiley telah mendukung 30 badan amal dengan seni dan lukisan. Dia telah menyumbangkan 100 lukisan kepada Rumah Sakit Good Samaritan Banner di Phoenix untuk distribusi kepada pasien muda dan juga baru-baru ini menciptakan 1.000 cat air dalam 30 hari, yang dia sumbangkan di Art San Diego pada bulan November.

Kematian Robin Williams baru-baru ini memacu David Fenton, yang menciptakan fotografi logam etsa berskala besar, untuk menciptakan karya penghormatan kepada komedian tercinta. Dia menyumbangkan karya seni itu ke acara penggalangan dana Aliansi Nasional Kesehatan Mental (NAMI) di California Utara, tempat dia tinggal.

“Kematian Robin membangkitkan sesuatu dalam diri saya dan membuat saya ingin memberi lebih banyak,” katanya, mengakui bahwa ia telah menghadapi tantangan pribadi dengan depresi.

Fenton telah mendukung banyak sebab sepanjang karirnya. Dia sebelumnya menyumbangkan karya seni ke East Bay Agency for Children, yang menghubungkan keluarga di San Francisco dengan sumber daya lokal untuk bantuan dengan kebutuhan hidup dasar, konseling kesehatan mental, pencegahan pelecehan anak dan perawatan untuk anak-anak dengan gangguan perilaku dan emosi yang parah. Dia juga menyumbangkan karya seni ke Healing Horses Kauai, di Kapaa, Hawaii, yang menyediakan sesi terapi menunggang kuda untuk anak-anak dan orang dewasa.

“Kekuatan seni untuk menggerakkan dan menginspirasi orang bisa luar biasa. Seni memberi mereka “perasaan lebih terhubung dengan kemanusiaan,” katanya. “Seni di dinding, film, musik — semua seni ini dapat memotivasi dan menginspirasi tindakan.”

Fenton saat ini sedang menjajaki cara-cara baru bekerja dengan wirausahawan untuk membantu masalah dunia melalui upaya akar rumput yang memungkinkan sumbangan kecil dari banyak orang. Dia berharap untuk membangun pendanaan yang mengubah permainan untuk tujuan yang berupaya untuk mengakhiri perbudakan dan kelaparan anak.

“Saya berusaha menjadi lebih positif dan bijaksana serta membantu orang lain. Tujuan saya adalah terus-menerus memikirkan orang lain, ”katanya.

Dibalik Karya Seni

29 Jul 19
laura bapao
, , ,
No Comments

Di belakang setiap seniman dan setiap lukisan, patung, dan kreasi multimedia terdapat kisah yang menarik. Peristiwa, tempat, orang, dan bahkan sesuatu yang sesederhana warna atau tekstur dapat menginspirasi sebuah karya seni, dan cerita di balik sebuah karya dapat membantu kita mendapatkan penghargaan yang lebih besar untuk kompleksitasnya dan meningkatkan efek yang dapat terjadi pada kita. Para seniman berikut dengan murah hati membagikan kisah mereka dengan ABN, memungkinkan kami akses eksklusif ke proses inspirasi mereka.

 

Travis Tarbox Hotaling, seorang seniman yang tinggal di desa Yellow Springs, Ohio, memulai setiap sesi melukis dengan mengisi sepedanya dengan persediaan dan mengayuh pedal untuk menemukan lokasi inspirasinya berikutnya. Seri-seri lukisan terbaru Hotaling menampilkan bentang alam plein-air dari lingkungan di sekitar kota asalnya, banyak di antaranya tidak terpengaruh oleh perkembangan manusia — yaitu, mereka memiliki beberapa bangunan atau penghalang buatan manusia yang khas. Namun, seperti yang ditunjukkan oleh Hotaling, pemirsa masih dapat merasakan kehadiran manusia dalam bentang alamnya karena pertanian pertanian telah memberi karakter bahkan pada bidang terpencil di pedesaan Ohio yang ia lukis.

 

Kondisi alam memberikan tantangan yang disambut baik bagi seniman. “Kadang-kadang saya akan membuat sketsa kecil, tetapi seringkali saya ingin sekali memasang panel di atas kuda-kuda dan mulai menemukan bentuk,” katanya. “Kecepatan menjadi penting untuk menemukan efek cahaya atau pola cuaca tertentu.”

 

Tetapi efek keseluruhan dari melukis di luar dalam lanskap pastoral yang jauh telah meditatif dan tenang. “Untuk duduk relatif diam di satu lokasi ketika [alam] bergerak di sekitar Anda dapat memiliki efek mendalam pada persepsi kecepatan di mana kita menjalani hidup kita,” katanya.

 

Dalam serial plein-air-nya, Hotaling telah mulai menggunakan pisau palet untuk menambahkan elemen pahatan pada lukisannya. “Menggunakan pisau adalah pengalaman baru bagi saya,” katanya. “Saya sangat senang bisa bekerja dengan tekstur dan lapisan yang mereka buat.”

 

Ketika musim dingin menetap di Yellow Springs, Hotaling telah memindahkan karyanya di dalam ruangan tetapi terus menambah seri dengan menerjemahkan beberapa bagian yang ia lukis di luar ruangan, yang sering kali kecil karena daya dukung sepeda yang terbatas, menjadi karya skala lebih besar .

 

Di masa depan, kata Hotaling, dia ingin membawa sepedanya dan catnya ke luar negeri untuk bersepeda dan melukis di seluruh benua asing. “Itu selalu menarik untuk melangkah ke wilayah yang tidak diketahui dan melihat di mana ia akan membawa Anda sebagai seorang seniman,” katanya. “Itulah satu-satunya cara untuk mempertahankan karier seni — untuk tidak pernah berhenti mencari sesuatu yang baru untuk dicoba. Dalam hal pembuatan seni, tidak ada puncak — tidak ada garis akhir. Selalu ada sesuatu yang baru untuk dicoba atau dikembangkan dalam pengamatan, estetika, upaya atau eksekusi Anda. Ini adalah pengejaran seumur hidup jika Anda menginginkannya. ”

 

Dalam kreasi Leda Maria, ia bekerja dengan cat air, minyak, akrilik, media campuran, dan encaustic. Bagaimanapun mediumnya, warna memberikan inspirasi pertama bagi banyak karya seninya. Lukisannya “I Like Blue, but I Prefer Red” memulai rangkaian lukisan “Red” yang telah dikerjakannya sejak 2005.

 

Dalam seri Merah, ia menggunakan busa, kain alami, batu dan bahan lainnya untuk menambah tekstur. “Merah adalah warna favorit saya,” katanya. “Itu datang dari hati. Ketika saya memulai seri, saya memiliki warna dan subjek dalam pikiran dan terus menulis sampai saya selesai. ”

 

Maria mengatakan bahwa dia juga mendapatkan inspirasi dari orang-orang yang dia amati saat bepergian. Beberapa lukisan dari seri itu dipajang di pameran Show de Bola tahun lalu di Brasil, yang dikuratori Maria. Setiap lukisan berbentuk segi enam untuk melambangkan bumi, atau tambalan dunia.

 

Maria menyebut pameran Show de Bola sebagai “proyek sosial-budaya” dan mencatat bahwa seniman dari segala usia, latar belakang, dan gaya dapat berpartisipasi. “Bagi banyak seniman, ini adalah pertama kalinya mereka berada di pertunjukan yang terorganisir,” katanya.

 

Dalam Show de Bola tahun ini, seniman akan didorong untuk berbagi keindahan negara mereka sendiri dalam karya seni mereka. Acara ini sedang diperluas tahun ini dan akan menjadi bagian dari Artexpo New York dan Berlin Art Fair, keduanya pada bulan April. Selain itu, Maria telah diundang untuk berpartisipasi dalam Venice Biennale, yang dibuka pada bulan Mei.

 

Lahir di Brasil, Maria saat ini tinggal di New York.

Pertempuran Untuk Mendidik Seniman Muda

28 Jul 19
irene san
, , ,
No Comments

Film tahun 1980-an Fame mengikuti sekelompok seniman yang bercita-cita tinggi di sekolah menengah New York City untuk seni pertunjukan. Klimaks film ini menampilkan pertunjukan musik yang rumit, “I Sing the Body Electric,” yang mempekerjakan vokalis solo dan grup, orkestra penuh, band, dan penari. Dalam film itu, konser ini bertepatan dengan kelulusan dan menampilkan kematangan bakat siswa.

 

Pada 2013, Sekolah Tinggi Seni Kreatif dan Pertunjukan Philadelphia (CAPA) di Philadelphia membatalkan musikal tahunannya karena pengurangan sekolah-distrik. Seperti rekan fiktifnya dalam Fame, musikal CAPA juga secara tradisional menyatukan disiplin kinerja. Itu adalah ritual peralihan sepanjang sejarah sekolah yang lebih dari 35 tahun.

 

Pembatalan acara ini juga membuat siswa absen karena terlibat dalam aspek produksi lainnya, seperti seni visual, desain kostum, pencahayaan, dan pementasan. “Mereka mencoba menampilkan pertunjukan yang paling profesional. Dulu item baris, dan telah dihilangkan selama bertahun-tahun, ”kata Terrilyn McCormick, presiden CAPA Foundation, yang bertindak sebagai organisasi penggalangan dana dan advokat untuk sekolah.

 

Apa yang disebut sebagai anggaran kiamat Distrik Sekolah Philadelphia — yang mulai berlaku karena kurangnya dana negara — membuat CAPA memiliki kesenjangan anggaran $ 1,1 juta yang telah memotong 19 guru dan anggota staf sejak 2012. Kerugian ini merupakan hal yang krusial bagi CAPA, yang memiliki sejarah menghasilkan artis papan atas, seperti penyanyi R & B Boyz II Men dan Amel Larrieux, serta bassis jazz Christian McBride dan vokalis organ-trumpeter-vokalis Joey DeFrancesco. Pengurangan staf membahayakan instruksi dan memelihara siswa harus menjadi generasi seniman hebat berikutnya.

 

Saat ini, jurusan teater tidak bisa belajar menyanyi, dan penari tidak bisa mengambil pelajaran gitar karena ada terlalu sedikit guru untuk memenuhi kebutuhan itu. “Banyak anak-anak benar-benar fokus pada karir mereka dan ingin menjadi ancaman rangkap tiga itu,” kata McCormick. “Mereka ingin menari, menyanyi dan berakting, dan itu benar-benar belum ada di meja untuk mereka dalam beberapa tahun terakhir.”

 

Pengalaman di CAPA tidak unik. Pendanaan untuk pendidikan seni telah menjadi korban distrik sekolah yang kekurangan uang di seluruh negeri karena mereka berjuang untuk menutupi dasar-dasar seperti matematika dan sains. Dalam beberapa tahun terakhir, Los Angeles, Washington, dan Chicago semuanya melakukan pemotongan tajam untuk pendidikan seni.

 

Pada pertengahan Januari, National Endowment for the Arts (NEA) menerbitkan tiga laporan berdasarkan data dari 2012, yang terbaru tersedia, yang menggambarkan bagaimana publik mengkonsumsi berbagai bentuk ekspresi artistik. Salah satu temuan utama adalah bahwa pasokan pendidikan seni telah menurun selama lebih dari satu dekade, kata Sunil Iyengar, direktur penelitian dan analisis NEA.

 

“Itu mengkhawatirkan karena kita tahu bahwa pendidikan seni adalah prediktor signifikan dari banyak hasil sosial individu yang positif,” katanya. Data menunjukkan bahwa sekitar 60 persen layanan pendidikan seni berasal dari pendidikan dasar dan menengah, dan sisanya dari perguruan tinggi dan universitas. Iyengar mengatakan bahwa erosi yang berkelanjutan dari layanan seperti itu kemungkinan akan menghilangkan hak generasi orang untuk berpartisipasi dalam apa yang ia sebut sebagai “ekonomi kreatif,” yang mencakup semua orang yang terlibat dalam perdagangan seni. NEA memperkirakan bahwa seni menyumbang hampir $ 700 miliar pada ekonomi A.S. pada 2012.

 

Dengan tidak adanya dana publik, sekolah telah menciptakan senjata penggalangan dana yang canggih untuk memulihkan dan mempertahankan guru; untuk mencakup hal-hal penting program, seperti instrumen baru dan perlengkapan seni; dan untuk merekrut instruktur dari luar sekolah. Bagi CAPA, upaya itu masih dalam tahap awal dan mendapat bantuan dari dua alumni sekolah yang lebih terkenal, Ahmir “Questlove” Thompson dan Tariq “Black Thought” Trotter, yang berada di depan grup hip-hop terkenal The Roots, yang juga bertindak sebagai band rumah untuk The Tonight Show NBC yang dibintangi oleh Jimmy Fallon.

 

Roots menghasilkan $ 40.000 untuk membantu memulai CAPA Foundation, yang berupaya mengumpulkan $ 500.000 setahun untuk dua tahun berikutnya dan $ 1 juta setahun sesudahnya. Di situs web sekolah, McCormick mengajukan permohonan untuk “menyembuhkan luka” dan memungkinkan yayasan untuk mengumpulkan cukup uang untuk membawa kembali para guru dan menutupi biaya persediaan dan kegiatan ekstrakurikuler. Akan ada musikal tahun ini; para siswa bersiap-siap untuk Pippin, berkat janji tambahan $ 10.000 per tahun oleh The Roots untuk membuat pertunjukan tetap berjalan.

 

McCormick awalnya terlibat karena putranya, Cy Wolfe, adalah jurusan teater di sekolah. Tetapi dia menyadari bahwa yayasan akan memiliki peluang yang lebih baik untuk berhasil jika tidak harus bergantung pada orang tua yang melepaskan diri ketika anak-anak mereka lulus. Dia mengambil langkah-langkah untuk menarik kelompok masyarakat, perusahaan, dan tokoh-tokoh dalam pendidikan tinggi.

Ketahui Hak Anda

17 Jul 19
fajar
, , ,
No Comments

Pada tahun 1958, seorang kolektor pribadi menyumbangkan ponsel Alexander Calder ke Bandara Internasional Pittsburgh. Calder membuat ponsel, “Pittsburgh,” dari aluminium dan besi — dua logam khas Pittsburgh. Tak lama kemudian, para pejabat di Departemen Penerbangan Kabupaten Allegheny memutuskan untuk membuat ponsel hitam-putih dicat dengan warna resmi Kabupaten Allegheny — hijau dan kuning. Kabupaten ini juga mengkonfigurasi ulang patung 28-kali-28-kaki dengan menambahkan bobot untuk mengangkat bagian dari ponsel yang dianggap menggantung terlalu rendah dan kemudian memasang motor karena, dengan berat tambahan, ponsel tidak akan lagi berputar pada itu sendiri.

Meskipun perubahan-perubahan ini sangat mengganggu Calder dan dia belum menyetujuinya, dia tidak punya jalan hukum melawan county. Karena situasi ini dan yang lainnya menyukainya, Amerika Serikat pada tahun 1990 memberlakukan undang-undang, Visual Artists Rights Act (VARA), untuk melindungi “hak moral” karya seniman.

Kongres memberlakukan VARA sebagai amandemen Undang-Undang Hak Cipta Amerika Serikat tahun 1976, dan itu membuat Amerika Serikat sejalan dengan sebagian besar Eropa, yang selama bertahun-tahun telah melindungi hak moral para seniman. Istilah “hak moral” berasal dari bahasa Prancis “le droit moral,” konsep Prancis abad ke-18 yang merujuk pada hak-hak spiritual atau pribadi — bukan ekonomi.

VARA terdiri dari hak dasar atribusi dan integritas. Ini melindungi hak-hak ini dengan memberi penulis atau pencipta karya seni visual yang memenuhi syarat hak untuk:

klaim kepenulisan karya;

mencegah penggunaan nama artis sebagai penulis karya yang tidak dibuat oleh artis;

mencegah penggunaan nama artis pada karya apa pun yang telah didistorsi, dimutilasi, atau dimodifikasi oleh pihak lain dengan cara yang akan merugikan kehormatan atau reputasi penulis; dan

mencegah, dalam keadaan tertentu, distorsi, mutilasi, modifikasi atau penghancuran karya seni visual.

VARA memberikan perlindungan hanya untuk lukisan, gambar, cetakan, patung, dan gambar foto diam dalam satu salinan atau edisi terbatas 200 atau lebih sedikit salinan yang hanya untuk pameran dan bahwa penulis telah menandatangani dan memberi nomor. Perlindungan ini ada untuk seumur hidup penulis, dan hak-hak ini tidak dapat ditransfer ke pihak lain. Namun, penulis dapat melepaskan hak-hak ini secara tertulis.

VARA tidak berlaku untuk pekerjaan yang dibuat untuk disewa; poster; peta; gambar teknis; diagram; model; seni terapan; film; atau buku-buku dan publikasi serta seni lainnya yang diproduksi terutama untuk tujuan komersial, seperti iklan, pengemasan, atau materi promosi.

“Tilted Arc,” patung baja setinggi 120 kaki oleh Richard Serra, dipasang di Federal Plaza di Lower Manhattan pada tahun 1981 — sebelum diberlakukannya VARA. Meskipun Administrasi Layanan Umum (GSA) telah menugaskan seni, perjuangan delapan tahun antara birokrasi pemerintah dan seniman memuncak dalam penghapusan patung pada 15 Maret 1989. Serra membawa gugatan terhadap GSA mencari ganti rugi yang timbul dari penghapusan tersebut . Dia tidak berhasil karena, di antara alasan lain, dia telah menandatangani kontrak yang berisi klausa yang mengizinkan GSA untuk menghapus bidak tersebut. Seandainya VARA berlaku, hasilnya kemungkinan akan sama karena Serra telah melepaskan hak integritasnya.

Seniman grafiti berusaha melindungi seni mereka di bawah VARA ketika sebuah bangunan yang berisi mural dan grafiti mereka dijadwalkan untuk dihancurkan. Dalam kasus yang melibatkan gedung 5 Pointz di Long Island City, New York, para seniman memanggil VARA tetapi kalah karena hakim memutuskan bahwa, meskipun para seniman memiliki izin untuk menghias ruang dengan mural, mereka “tahu bahwa bangunan-bangunan itu turun” dan karena itu tidak mungkin berharap bahwa pekerjaan itu akan permanen. Pengadilan juga menyimpulkan bahwa, meskipun grafiti di 5 Pointz adalah seni visual, itu bukan “karya seni visual” dalam arti VARA dan dengan demikian tidak memenuhi syarat untuk dilindungi.

Demikian juga, dalam kasus Carter versus Helmsley-Spear, tiga pematung — John Carter, John Swing dan John Veronis — menuntut pemilik bangunan Helmsley-Spear Inc., mengutip klausa modifikasi dan perusakan VARA. Pengadilan Distrik A.S. memberi para penggugat sebuah perintah permanen yang memerintahkan Helmsley-Spear untuk memindahkan, memodifikasi, atau menghancurkan instalasi seni-visual para seniman di gedung yang dimiliki perusahaan. Namun, pada saat naik banding, Pengadilan Banding AS menyimpulkan bahwa para seniman adalah karyawan Helmsley-Spear; dengan demikian, karya dibuat untuk disewa dan di luar lingkup perlindungan yang diberikan VARA. Keputusan akhir mengosongkan perintah dan mengakibatkan kehancuran karya seni.

Seorang seniman yang menerima kontrak untuk komisi untuk membuat mural atau patung publik harus membaca kontrak dan memahami apa yang dilakukannya dan tidak tercakup. Ini mungkin tidak membahas kemungkinan, seperti sifat bahan yang digunakan seniman atau seniman, kebutuhan untuk pemeliharaan atau pembongkaran atau renovasi bangunan tempat seni dipasang.

Berbagi cerita Kuba

21 Jun 19
fajar
, , , ,
No Comments

Kisah-kisah Kuba, sebuah negeri yang begitu dekat namun begitu jauh, mengajarkan dunia tentang kehidupan dan perjuangan orang-orang di negara yang terisolasi. Mungkin tidak ada yang lebih terinspirasi dari pemilik Conde Kontemporer, Stacy Conde, yang, di kota asalnya, Miami, mengelola galeri yang berspesialisasi dalam seni Kuba.

Meskipun ia memulai di dunia mode sebagai anak didik ikon desain Inggris Barbara Hulanicki, Conde mengatakan bahwa membuat transisi ke seni “hampir tidak ada artinya.” Setelah mendesain ulang hotel Art Deco yang patah hati dan mengerjakan pakaian yang dijual Hulanicki dalam dirinya. Toko London, Biba, Conde menemukan bahwa “Seni adalah mode. Seni adalah segalanya. ”

Menikah dengan artis kontemporer kelahiran Kuba, Andres Conde, Stacy Conde pertama kali memasuki dunia seni pada tahun 1998 dengan Goodman-Conde Gallery. Dia sekarang telah mendirikan toko di Little Havana untuk berbagi karya dan kisah-kisah budaya yang dengannya dia sangat mengidentifikasi.

Kami bertanya kepada Conde tentang perjalanannya, galeri Miami-nya dan efek Kuba-AS terbaru. pengumuman diplomatik di dunia seni.

Stacy Conde: Saya lahir dan besar di Miami, jadi kedekatan adalah sesuatu. Ada beberapa gelombang imigrasi Kuba ke Amerika Serikat, dan salah satunya adalah [Mariel Boatlift, emigrasi massal orang-orang Kuba yang berangkat dari Pelabuhan Mariel Kuba ke Amerika Serikat antara 15 April dan 31 Oktober 1980]. Saya berumur 10 tahun, dan itu sangat mempengaruhi saya. Kami menerima lebih dari 100.000 orang Kuba dalam … satu tahun ke Miami, dan hampir menyakitkan untuk menonton. Anda memiliki orang-orang ini yang telah meninggalkan segalanya — kehilangan segalanya, kecuali martabat mereka dan pencarian mereka akan kebebasan — dan, ketika mereka mulai berasimilasi dengan masyarakat, Anda tumbuh bersama mereka. Dan saya baru saja menemukan budaya yang sangat dekat, percaya atau tidak, budaya Selatan, dari mana nenek saya berasal. Sangat berpusat pada makanan, berpusat pada keluarga. Anda tertawa, Anda berkelahi, Anda menari, Anda mencium, Anda peluk dan Anda makan. Benar-benar budaya yang indah dan hangat yang sangat kaya dalam banyak hal. Pengaruh berbeda dalam budaya diekspresikan dalam seni – pengaruh Eropa, pengaruh Afrika dan pengaruh asli. Ini penggabungan yang indah ini.

Itu berbicara kepada saya. Jika Anda sangat terkait dengan suatu budaya dan Anda benar-benar menyukai orang-orang, Anda menyukai cara mereka dan Anda menyukai chutzpa mereka, Anda akan menyukai ekspresi mereka di berbagai tingkatan. Itu adalah cinta untuk budaya. Dan kemudian Anda melihat sekelompok orang yang telah menderita dan berjuang untuk waktu yang lama dan, dalam banyak kasus, mempertahankan rasa apung, rasa humor ini, pandangan yang menakjubkan ini. Dan jika Anda mendapatkan seorang seniman yang seperti itu, Anda menonton apa yang mereka salurkan ke kanvas atau patung, dan itu sangat luar biasa.

Pandangan mereka sangat spesifik karena mereka hampir dikunci. Bahkan Kuba yang berada di luar diaspora pun datang dari perspektif itu. Mereka melihat dunia luar dari perspektif yang berbeda.

Saya harus melihat karya itu dan benar-benar tersentuh oleh pekerjaan itu karena … ada begitu banyak karya seni di luar sana. Ada begitu banyak orang di luar sana yang melakukan pekerjaan yang cukup bagus, jadi, ketika saya melihat sesuatu, saya harus pergi, “Wow. Itu telah menggerakkan saya. ”Setelah itu, saya harus berhubungan dengan para seniman dalam beberapa cara karena … Saya mencari kemitraan jangka panjang dengan artis. Kami sangat mengandalkan satu sama lain. Seperti halnya saya membantu [para seniman], mereka membantu saya. Kami membangun karier bersama. Jadi jika saya tidak memiliki seseorang yang saya rasa dapat memiliki mitra, saya dapat bekerja dengan, maka saya tidak ingin bekerja dengan [orang itu]. Hidup ini terlalu singkat untuk sengsara. Saya tidak tertarik berkelahi. Kami telah menjalani hidup kami sehingga saya menghabiskan sebagian besar waktu saya bersama suami. Studionya ada di belakang galeri. Saya menjalankan semuanya dari depan. Tapi kami minum kopi bersama. Kita bicara. Dan inilah yang saya inginkan dalam hidup saya. Saya ingin itu bahagia. Dan apa yang bisa lebih baik daripada dikelilingi oleh pekerjaan yang indah dan orang-orang cantik di dalamnya — jiwa-jiwa cantik yang menciptakan pekerjaan ini?

Pada saat yang sama, ini merupakan kerja yang sangat sulit. Saya tidak tahu bahwa saya pernah bekerja sekeras ini dalam hidup saya. Itu konstan. Anda melakukan apa yang harus Anda lakukan untuk mewujudkannya. Bukan hanya karier saya. Bukan hanya galeri saya. Semuanya adalah orang-orang yang benar-benar berbakat dan luar biasa yang bekerja bersama saya yang ingin saya tetap bekerja. [Saya] tidak ingin melihat beberapa dari orang-orang ini harus melakukan pekerjaan lain hanya untuk memenuhi kebutuhan hidup.

Membayar hadiah Seni

11 Jun 19
irene san
, , ,
No Comments

Lisa Schuster telah lulus dari sekolah bisnis dan menjalankan bisnis penerbitan seni sebelum dia pernah mencoba melukis. Seseorang yang selalu menghargai seni, dia tidak pernah menganggap dirinya seorang seniman, dan, ketika dia akhirnya membiarkan dirinya bebas untuk menguji keterampilannya pada usia 30, dia menemukan bahwa dia memiliki bakat yang cukup besar. Hari ini, meskipun terkenal karena koleksi abstraknya, Schuster juga seorang pelukis bunga dan lanskap yang ulung dan menciptakan gambar menawan dengan pena dan kertas.

Schuster juga dikenal karena hatinya yang murah hati. Dia menyumbangkan lukisan pertama dari koleksi abstrak “Splash!” Ke lelang amal dan terus menyumbangkan karyanya dan berpartisipasi dalam acara amal sejak saat itu. Berikut ini adalah kisahnya sebagaimana diceritakan kepada editor Art Business News Megan Kaplon.

Saya selalu merasa seperti karier seni saya menemukan saya. Saat bekerja di MBA saya di Universitas Xavier, salah satu syarat sebelum lulus adalah merancang perusahaan yang menggabungkan semua aspek kurikulum. Saya memilih penerbitan seni. Setelah saya menyelesaikan gelar saya, ayah saya mendorong saya dan mendanai saya untuk benar-benar membawa konsep bisnis menjadi hidup, dan itu tumbuh menjadi bisnis keluarga besar. Kemudian, setelah bertahun-tahun bekerja dengan seniman melalui perusahaan penerbitan, saya memutuskan untuk mencoba melukis, dan, akhirnya, saya berkelana sendiri sebagai seniman independen.

Bisnis penerbitan seni kami menyediakan cetakan berbingkai untuk industri furnitur — beragam hal, dari lumbung hingga pemandangan. Kami akan menggunakan pasir dan kaca dan semua tekstur dan media yang berbeda ini pada berbagai jenis papan dan kanvas. Itu adalah gado-gado satu miliar hal yang berbeda, dan, melalui mencoba semua hal baru ini, saya dapat membuang apa yang saya sukai lakukan yang terbaik. Dan ternyata itu cat minyak tua biasa.

Memasuki dunia seni yang relatif terlambat, saya harus menghadapi rasa tidak aman. Saya berhasil di sekolah, tetapi dalam bisnis dan buku, tidak ada hubungannya dengan seni. Bagi saya itu adalah dunia yang benar-benar baru.

Saya akhirnya membuka galeri untuk membongkar gunung lukisan asli yang telah saya kumpulkan selama bertahun-tahun, dan saya menggunakan ruang dan waktu itu untuk mengembangkan tampilan tanda tangan.

Sulit menggambarkan gaya melukis saya, karena saya melakukan begitu banyak hal yang berbeda — dari realisme foto hingga abstrak yang sangat liar. Koleksi abstrak saya yang berjudul “Splash!” Adalah yang paling populer. Untuk lukisan-lukisan ini, saya menggunakan cat minyak pada lembaran logam untuk membuat abstrak yang halus dan bersemangat.

Saya menyumbangkan potongan “Splash!” Pertama saya yang telah selesai ke acara lelang langsung yang disponsori oleh Kindervelt, organisasi amal dari Pusat Medis Rumah Sakit Anak-Anak Cincinnati, untuk melihat bagaimana itu akan terbang. Ini menghasilkan banyak minat bagi saya dan ribuan dolar untuk organisasi. Setelah semua yang saya lukiskan dalam karir saya, lukisan “Splash!” Pertama itu adalah hal yang paling terasa seperti saya, jadi sangat valid untuk mendapatkan respons positif dari lelang Kindervelt.

Saya mendukung tiga badan amal utama setiap tahun: Juvenile Diabetes Research Foundation (JDRF); Family Nurturing Center, sebuah organisasi yang menyediakan perawatan, pencegahan, dan program pendidikan untuk anak-anak di keluarga di wilayah Kentucky Utara dan Cincinnati Raya; dan Kindervelt. Kakak perempuan saya didiagnosis menderita diabetes tipe 1 ketika dia berusia 7 tahun, dan, 40 tahun kemudian, ibu saya masih emosional berbicara tentang perawatan luar biasa yang diterima kakak saya dari Cincinnati Children selama masa yang menakutkan itu. Meskipun saya tidak memiliki pengalaman langsung dengan pelecehan anak, hanya mengetahui bahwa itu terjadi — dan dengan frekuensi yang mengerikan — sudah cukup untuk membuat Anda mengambil tindakan apa yang dapat Anda lakukan untuk mendukung anak-anak yang terpengaruh.

Saya selalu mengatakan ya ketika seseorang meminta saya untuk terlibat dalam acara amal atau pelelangan, bahkan jika itu hanya menyumbangkan cetakan atau giclée yang digulung. Saya memiliki sekelompok teman yang dermawan dan beramal dalam dan beragam. Ketika mereka bertanya, saya menjawab ya. Jika penyebabnya layak untuk waktu dan energi mereka yang berharga, itu layak untuk saya.

Ada dua alasan utama saya berpartisipasi dalam acara amal. Pertama, memang benar bahwa apa pun yang Anda berikan, Anda mendapat lebih banyak. Melalui sumbangan saya, saya telah dihargai dengan persahabatan baru dan hubungan bisnis yang akan berlangsung seumur hidup.

Anda tidak pernah tahu di mana satu tindakan kebaikan dapat menuntun Anda. Saya menyumbangkan sebuah karya 10 tahun yang lalu kepada Grace Jones — desainer yang terhormat dan pemilik Dwellings, studio desain interior yang luar biasa di Cincinnati — dan dia memperkenalkan saya kepada Litsa Spanos, pemilik Konsultan Desain Seni yang sangat sukses, yang kemudian menghubungkan saya dengan Galeri Satu di Naples, tempat saya memamerkan karya saya sekarang.

Hal lainnya adalah, meskipun saya telah menyediakan lebih dari 10.000 jam dalam kerajinan saya, adalah bodoh untuk menyarankan bahwa saya tanpa sadar diberkati dengan hadiah untuk seni, yang untuknya saya selamanya berterima kasih. Rasanya enak dan tepat untuk berbagi ini.

Barang Untuk Kebaikan

28 May 19
laura bapao
, , , ,
No Comments

Adalah satu hal untuk menciptakan seni dengan niat baik: meningkatkan kesadaran untuk suatu tujuan, memberikan suara kepada yang tertindas, atau hanya membawa sedikit cahaya ke dunia. Tetapi bertindak berdasarkan niat baik itu adalah hal yang sama sekali berbeda.

Bagi penduduk asli Kansas City Christina Eldridge dan Dawn Taylor, tidak cukup hanya berbicara tentang membawa perubahan ke dunia. Kedua wanita tersebut telah melakukan perjalanan ke Afrika dan melihat secara langsung kebutuhan dasar manusia yang tidak terpenuhi: akses ke air minum yang bersih dan aman.

Jadi mereka bersama-sama mendirikan Red Dirt Shop, pasar online yang menawarkan “barang untuk kebaikan.” Semua produk dijual di situs — kotak ponsel, botol air, kaus oblong — fitur desain oleh seniman yang bekerja, dan setiap penjualan menyediakan seluruh tahun akses ke air bersih bagi seseorang yang membutuhkan, berkat kemitraan toko dengan Waterprofit.

Red Dirt Shop membangun model bisnisnya berdasarkan kepercayaan pada kelompok konsumen yang tumbuh yang menghargai produk-produk berkualitas dan ingin membuat perbedaan di dunia. Eldridge dan Taylor bertaruh bahwa konsumen ini akan bersedia membayar harga yang lebih tinggi untuk produk-produk premium yang mendukung tujuan yang layak.

Itu taruhan yang cerdas. Red Dirt Shop telah menjadi kesuksesan yang luar biasa dan menguntungkan. Pada tahun 2014, toko mulai menjual produk yang dibuat oleh pengrajin di Guatemala dan Kenya, menawarkan penciptaan lapangan kerja dan upah yang adil di samping akses air bersih.

Eldridge baru-baru ini membahas bagaimana kedua pengusaha berhasil menggabungkan seni dan perubahan sosial.

Ketika bekerja sebagai penggalangan dana untuk sistem rumah sakit utama, saya mulai menjadi relawan sebagai direktur untuk perjalanan misi medis ke Mali, Afrika Barat. Meskipun saya cukup beruntung untuk melakukan perjalanan internasional, ini adalah pertama kalinya saya pergi ke suatu negara dengan tujuan, bekerja bersama orang-orang lokal, dan masuk ke sepatu mereka. Apa yang saya lihat adalah orang-orang yang miskin, tidak berpendidikan, dan tidak sehat. Saya juga melihat [bahwa] mereka gembira, cerdik, pintar, dan banyak akal, dan memiliki rasa keluarga dan komunitas yang patut ditiru.

Walaupun kemiskinan sangat kompleks dan alasannya bervariasi dari satu daerah ke daerah lain dan dari orang ke orang, saya melihat masalah yang saya rasakan dapat bermitra dengan masyarakat setempat dan membuat perbedaan. Dan itu bukan tentang pemberian atau pemberian sesuatu; itu [tentang] menemukan cara untuk membantu orang-orang ini bangkit dari kemiskinan. Dua area yang saya pikir bisa membuat perbedaan adalah akses air dan penciptaan lapangan kerja. Air adalah hak dasar manusia, tetapi hampir 750 juta orang tidak memiliki akses [ke sana]. Jika orang tidak sehat, mereka tidak bisa menjaga diri mereka sendiri. Kedua, sangat jelas bagi saya bahwa orang-orang menginginkan pekerjaan dan martabat mengurus keluarga mereka sendiri. Tidak ada yang mau hidup dari handout.

Saya ingin memulai sesuatu yang dapat berkembang dan tumbuh dengan cepat, dan itu bukan amal; ini adalah perdagangan. Jadi Red Dirt Shop adalah perusahaan fashion dan aksesoris gaya hidup yang menyumbangkan setahun akses air bersih untuk seseorang yang membutuhkan dengan setiap produk yang dijual. Selain itu, setengah dari produk kami sekarang dibuat oleh pengrajin di komunitas berkembang yang dibayar dengan upah yang adil dan bekerja dalam kondisi yang aman dan sehat

Pendidik dan Pembuat

20 May 19
laura bapao
, , , ,
No Comments

Seni sering menjadi salah satu program pertama di blok memotong untuk banyak sekolah negeri. Tetapi guru seni empat tahun sekolah menengah Melanie Blood mengungkapkan bahwa keterampilan yang diperoleh siswa saat berbicara tentang seni mereka sendiri dan mengkritik karya rekan-rekan mereka adalah di antara unsur-unsur yang paling membantu dan mendasar yang dipelajari siswa di setiap kelas.

Ketika menjadi mahasiswa di Sekolah Tinggi Seni dan Desain Massachusetts (MassArt), Blood menemukan ceruknya di bidang keramik dan media campuran, memasukkan bahan-bahan yang orang lain anggap kurang cantik, seperti serat yang bermacam-macam, potongan-potongan kayu bekas, dan pecahan pagar. Meskipun ia senang memamerkan karyanya, Darah merasa tidak terpenuhi dan, pada saat yang bersamaan, mendaftar ke Universitas Tufts, yang menawarkan program pascasarjana pendidikan sosial keadilan dan seni yang intensif dalam kemitraan dengan Sekolah Museum Seni Rupa. Setelah program ini membuka mata terhadap budaya yang berbeda yang tidak terpapar di sekolah menengah putihnya di sebuah kota kecil, Blood memutuskan untuk membayarnya ke depan dan mengabdikan karirnya untuk pendidikan seni sambil melanjutkan upaya artistiknya sendiri.

Sebagai seorang pendidik seni di Brockton High School, 30 menit di selatan Boston, Blood telah menemukan bahwa, seperti halnya murid-muridnya memandang kepadanya untuk mendapatkan inspirasi dan bimbingan, cerita dan semangat mereka juga mengilhami karya seninya.

Darah baru-baru ini berbicara dengan Art Business News tentang peran seni dalam perkembangan masa kecil, keseimbangan yang ia capai antara kreativitas pribadi dan profesional, dan bagaimana belajar seni ternyata sama praktisnya dengan belajar matematika.

MELANIE BLOOD: Saya mulai kuliah terutama mengerjakan keramik, dan, seiring perkembangannya, saya mulai bermain-main dengan menembakkan bahan-bahan lain di tempat pembakaran dan melihat apa yang akan terjadi. Setelah saya meninggalkan sekolah, saya tidak memiliki akses ke kiln, jadi sekarang saya membuat tanah liat yang lebih banyak dan bekerja dengan bahan-bahan yang tidak perlu Anda kumpulkan.

Di sekolah menengah, saya mengalami masa-masa sulit, dan saya memiliki guru seni yang menginspirasi saya dan bekerja bersama saya tanpa henti. Saya ingin menjadi orang itu untuk orang lain. Di perguruan tinggi, kesempatan muncul untuk [memamerkan karya seni saya] di sana-sini, dan saya menyukainya, dan saya suka membuat karya, tetapi saya merasa ada sesuatu yang hilang. Saya merasa hampir egois. Saya tidak bermaksud bahwa artis itu egois. Maksud saya, bagi saya, itu tidak cukup memuaskan untuk hanya menempatkan pekerjaan saya di luar sana. Saya ingin dapat menginspirasi anak-anak untuk melakukan hal yang sama. Ketika saya mulai belajar tentang pendidikan — siapa yang menjadi sasaran dan siapa yang ditekan dan tidak dipertimbangkan ketika berbicara tentang kurikulum, saya tahu saya ingin mengajar di sebuah kota. Saya ingin tantangan bekerja dengan anak-anak yang tidak memiliki segalanya super mudah dan yang membutuhkan seseorang untuk memotivasi mereka.

Mengetahui bahwa Anda membuat perbedaan besar dalam kehidupan anak-anak. Ini tidak selalu mudah, tetapi kemudian Anda menyadari: Sekalipun itu satu-satunya anak yang ingin datang ke sekolah hanya untuk melakukan seni, itu hal yang paling berharga.

Ya tentu saja. Saya merasa seperti saya seorang penasihat bimbingan, guru, orang tua, teman. Saya memiliki banyak peran berbeda, karena anak-anak tidak memiliki banyak sumber daya. Beberapa dari mereka memiliki ikatan keluarga yang kuat, dan beberapa sedang mengalami hal-hal terburuk yang dapat Anda pikirkan. Anda membangun hubungan dan bekerja dengan mereka secara pribadi, dan Anda menyadari [hal-hal ini] muncul dalam seni mereka. Hubungan yang saya bangun dengan mereka, perjuangan yang saya hadapi dalam berbicara dengan mereka, tantangan untuk mencoba menjadi mentor itu dan mencoba membantu mereka memasukkannya ke dalam seni mereka adalah tentang pekerjaan saya sekarang. Itu telah bergeser dari yang tentang koneksi keluarga ke koneksi antara saya dan siswa saya dan koneksi yang saya lihat di antara mereka dan di komunitas mereka. Anda dapat memiliki anak-anak yang sangat, sangat kuat, tetapi Anda tidak benar-benar memahami apa yang sedang terjadi dalam hidup mereka dan melihat bahwa mereka benar-benar anak-anak rapuh yang harus mempertahankan struktur ini tetapi juga hampir hancur berantakan. Sangat menarik [untuk melihat] betapa uletnya mereka dalam berusaha mengatasi berbagai batasan dan kesulitan.

Jadi pekerjaan saya telah menjadi kuat, bentuk geometris tetapi juga hal-hal yang sangat rapuh, menunjukkan bahwa dikotomi kekuatan dan kelemahan dan memungkinkan pemirsa untuk membuat keputusan dan koneksi itu. Bagian terakhir saya adalah di acara MassArt, dan, dalam perjalanan pulang, itu benar-benar berantakan. Itu bagian dari proses. Hanya ada sebentar. Sekarang saya punya fragmen-fragmen ini. Bagaimana saya bisa menyatukannya kembali untuk membuat karya selanjutnya? Di situlah saya ingin pergi dengan pekerjaan saya — mengambil fragmen dan menciptakan sesuatu yang indah dengannya. Saya [juga] telah menyimpan beberapa fragmen dari beberapa pekerjaan anak-anak, dan saya akan mencoba menggunakan beberapa dari itu dalam pekerjaan saya.

Pameran Patung Terbaik

11 May 19
fajar
, , , ,
No Comments

Pematung musim ini menjanjikan imajinasi, warna, dan kejutan tak berujung dalam bentuk patung logam raksasa dari batu di atasnya dengan selembar kertas dan dibelah oleh gunting bergagang merah, stiletto cetak macan tutul 6 kaki yang dipangkas dengan bulu merah, atau sepasang pemain tenis profesional yang ditempa dari peralatan pusaka keluarga.

Daftar pameran patung paling terkenal musim ini membawa pecinta seni 3-D di seluruh negeri, dari patung perunggu Theodore Gall yang fantastik di taman Beverly Hills hingga pemasangan 42 sepeda menjulang tinggi dari sepeda baja di Museum Seni Rupa di Boston. Bersiaplah untuk terhibur — dan takjub.

Kevin Caron berspesialisasi dalam pahatan besar 3-D-cetak. Printer 3-D akan beroperasi selama pembukaan acara, menawarkan tampilan close-up bagaimana seniman menciptakan bentuk resinnya yang semarak.

Pameran lukisan, pahatan, dan instalasi ini menguji pengaruh mitologi Hindu dan Lembah Kathmandu di Nepal pada karya P-Orridge dalam minat dan pengabdian dalam ritual dan pengabdian. Pengunjung akan memiliki kesempatan untuk berinteraksi dengan artis, yang karyanya juga mengeksplorasi perubahan fisik dalam layanan identitas gender kreatif.

Tambahan terbaru untuk jajaran pertunjukan seni Spectrum, acara Indian Wells ini akan menampilkan ruang pameran bergaya galeri dan taman patung luar ruangan untuk potongan 3-D. Eric Shupe, Jim Keller, Time McClendon, dan Nonos Gallery akan menjadi beberapa yang menarik.

Jae Ko menciptakan patung relief kertas dengan merendam gulungan kertas mesin yang ditambahkan ke dalam air yang diresapi dengan tinta Jepang yang terbuat dari abu kayu. Patung bergelombang merentang hingga 80 kaki dan setinggi 14 kaki. Grounds for Sculpture juga merupakan rumah bagi 270 karya seni permanen.

Seniman Georgia yang berbasis di Berlin, Thea Djordjadze, menyajikan ansambel pahatan menggunakan bahan konstruksi dasar, seperti plester, kayu, reng kawat, batang logam, kaca, dan kain. Instalasi khusus situs mencerminkan arsitektur unik bangunan.

Mewakili kota-kota besar Asia dengan populasi lebih dari 10 juta, pameran ini menampilkan 14 patung dan instalasi besar. Karya-karya muncul di Ann and Graham Gund Gallery dan di seluruh kampus museum.

Shapiro mengeksplorasi bentuk geometris melalui komposisi yang kompleks. Bersama dengan karya-karya utama dari koleksi permanen Nasher dan serangkaian gambar, pertunjukan ini akan menampilkan bentuk warna-warni yang tergantung di galeri di berbagai ketinggian dan sudut.

Dekat pusat Beverly Hills, Beverly Gardens Park akan memamerkan karya 30 pematung. Di antara yang paling menonjol adalah Jeff Davis, yang akan menampilkan geometri logam bentuk bebas yang dilas dari bagian industri, dan Theodore Gall, yang akan menampilkan patung perunggu yang terinspirasi oleh karakter film dan fantasi.

Pemahat Kevin Box telah menciptakan lebih dari 20 patung logam raksasa yang terinspirasi oleh seni melipat kertas Jepang. Koleksinya meliputi karya kolaboratif dengan Jennifer Box, Robert J. Lang, Te Jui Fu, Michael G. LaFosse, dan Richard Alexander.

Perayaan ini menampilkan 2.000 karya patung yang dibuat oleh 160 pematung di seluruh dunia. Sepanjang tahun, Taman Patung Benson adalah rumah bagi 148 patung permanen yang dipajang di sekitar laguna dan dikelilingi oleh pohon dan bunga, dengan Pegunungan Rocky di latar belakang.

Biaya Konservasi dan Pemulihan

21 Apr 19
fajar
, , ,
No Comments

Bayangkan berjalan melalui pameran indah lukisan terkenal di museum. Anda melihat dari dekat ke Picasso dan mencondongkan tubuh ke depan dalam kekaguman. Tiba-tiba, Anda kehilangan keseimbangan dan, tanpa berpikir, mengunci lukisan itu untuk menangkap kejatuhan Anda. Aduh. Anda telah meninggalkan lubang seukuran kepalan dalam lukisan jutaan dolar.

 

Ini mungkin terdengar mustahil, tetapi itu terjadi lebih sering daripada yang Anda pikirkan. Tahun ini, seorang bocah lelaki Taiwan berusia 12 tahun tersandung dan secara tidak sengaja meninju minyak Paolo Porpora senilai $ 1,5 juta di atas kanvas. Kecelakaannya adalah salah satu dari banyak kesalahan yang disayangkan untuk merusak karya seni mahal. Dalam beberapa kasus, orang dengan sengaja merusak karya seni. Pada tahun 1990, seorang pria menyemprotkan asam sulfat pada “The Night Watch” karya Rembrandt van Rijn. Tindakan ini adalah yang ketiga kalinya seseorang dengan sengaja merusak karya terkenal Rembrandt; pengacau dengan pisau memotongnya pada tahun 1911 dan 1975.

 

Dalam kasus lukisan Porpora, keluarga anak lelaki itu tidak harus membayar ganti rugi. Untungnya, lukisan itu diasuransikan dan sedang menjalani restorasi. Tetapi siapa yang menghabiskan waktu dan uang untuk memperbaiki karya seni yang berharga ini ketika kecelakaan terjadi? Berapa biayanya, dan apa yang ditanggung asuransi? Lebih penting lagi, bagaimana cara memperbaiki lukisan dengan lubang di tengahnya, dan apakah karya seni kehilangan nilai karena kerusakan?

 

Masuki konservator seni, pahlawan pendiam yang menghabiskan waktu berjam-jam melakukan pekerjaan halus untuk memulihkan dan melestarikan karya seni yang rusak.

 

Meskipun orang sering menyebut konservasi dan restorasi sebagai satu kesatuan, mereka memiliki beberapa perbedaan. Konservasi adalah profesi dan titik awal bagi seorang konservator, sedangkan restorasi menggambarkan bagian dari proses.

 

Selain melestarikan bahan asli, konservator mempertimbangkan sisi restorasi dari praktik mereka untuk mencakup area yang membutuhkan bahan pengisi, warna, atau pelapis untuk merekonstitusi komponen yang hilang dari seni. Prosesnya membosankan dan bentuk seni itu sendiri. Konservator seni melihat variasi kerusakan, tetapi mereka semua jatuh ke dalam salah satu dari dua kategori: struktural atau estetika.

 

Kerusakan struktural mungkin merupakan akibat dari penyimpanan di lingkungan yang tidak tepat, kerusakan material, atau praktik penanganan yang buruk. Intervensi manusia jatuh ke ranah ini dan merupakan penantang teratas untuk apa yang paling menyebabkan kerusakan pada seni. Kerusakan estetika atau kosmetik disebabkan oleh kenyataan bahwa karya seni memiliki pernis tua, menyebabkan perubahan warna, atau cat mengelupas dari permukaan.

 

Konservator juga mengalami sifat buruk yang melekat, masalah yang terjadi ketika bahan yang digunakan artis tidak kompatibel dengan pelapis yang digunakan konservator seni dalam restorasi. Masalah ini paling sering terjadi pada karya seni modern dan kontemporer, karena seniman tersebut menggunakan akrilik eksperimental, yang lebih sensitif daripada minyak.

 

“[Seniman kontemporer] menciptakan karya seni multimedia, dan itu secara alami lebih sulit untuk dirawat daripada lukisan tradisional,” kata Ana Alba, konservator seni independen di Pittsburgh dan pendiri dan pemilik Alba Art Conservation. “Tetapi kode etik kami adalah menggunakan sebagian besar hal yang dapat dibalik karena kami tidak dapat mengubah maksud artis atau materi yang dipilih. Namun, saya telah merawat kardus sebelumnya, dan tidak seorang pun berharap itu akan bertahan seribu tahun. ”

 

Biaya Konservasi dan Pemulihan

 

Museum memiliki akses ke peralatan teknis yang tidak dimiliki konservator independen, menurut Rhona MacBeth, konservator di Museum Seni Murni di Boston. Sebagai contoh, museum memiliki mesin sinar-X, yang memungkinkan konservator untuk melihat di bawah permukaan lukisan untuk mendokumentasikan kondisi dan kualitasnya. Kamera inframerah dapat berharga $ 50.000 hingga $ 100.000, tetapi konservator juga dapat melakukan perbaikan dengan kamera SLR (single-lens reflex) yang harganya sekitar $ 1.000.

 

“Di museum besar seperti MFA, kami memiliki departemen ilmiah besar yang dapat melakukan analisis pelapisan untuk melihat bagaimana [sebuah lukisan] dibuat,” jelas MacBeth.

 

Konservator seni independen biasanya tidak memiliki peralatan yang sangat besar. Sebagai gantinya, mereka membayar untuk mengirim sampel ke laboratorium untuk analisis ilmiah, kemudian menambahkan biaya ini ke tagihan pelanggan.

 

“Di ranah publik, konservator akan memiliki tarif per jam, dan perlakuan konservasi akan dikenakan biaya sesuai dengan tarif itu atau total biaya proyek,” kata Nicholas Dorman, kepala konservator di Seattle Art Museum.

 

Proyek-proyek Alba dapat berkisar dari pembersihan sederhana lukisan-lukisan pribadi dengan biaya beberapa ratus dolar hingga proyek-proyek yang lebih terlibat dengan biaya ribuan dolar, tergantung pada ukuran dan kondisi karya seni tersebut. Alba menagih kliennya per jam. Jika ada masalah yang lebih besar, dia akan mengatasinya dalam perkiraannya.

 

Memberikan perkiraan adalah bagian dari kode etik Institut Amerika untuk Konservasi. Konservator harus memberikan proposal perawatan dengan perkiraan biaya dan laporan pemeriksaan. Pelanggan harus menandatanganinya sebelum perawatan apa pun dapat terjadi.